Какие наиболее лучшие акварелисты мира: произведения, техника рисования, фото

Акварель считается одной из самых капризных и темпераментных красок, несмотря на свою простоту и прозрачность. Осваивать рисование дети начинают именно с акварели, но многие ли знают, насколько же велика на самом деле сила этой безобидной краски?

Краткая история: начало развития

Лучшие акварелисты мира смогли творить свои шедевры благодаря Китаю, где после изобретения бумаги, случившемуся во II веке н. э., акварельная техника получила возможность развиваться.

В Европе первые зачатки появились в странах Италии и Испании, когда бумажные изделия возникли и там (XII–XIII века).

Акварельное искусство вошло в использование позднее других разновидностей живописи. Одной из самых знаменитых первых работ, считающейся образцовой, стала картина «Заяц» лучшего акварелиста мира эпохи Ренессанса — Альбрехта Дюрера в 1502 году.

Затем техникой акварели стали заниматься художники Джованни Кастильоне, Клод Лоррен, а также Антонис ван Дейк, однако образцы работ в подобной технике продолжали оставаться на единичном уровне — факт, который подтверждал Монтабер в своем трактате о живописи. Упоминая об акварели, он не вдавался в подробности, так как считал, что данная техника не заслуживает профессионального серьезного внимания.

Однако акварельная техника получила свою надобность в научных и военных исследованиях, когда археологам и геологам было необходимо запечатлеть изучаемые объекты (животных, растений, природу в целом), а также создать топографические и архитектурные схемы.

Подьем

В XVIII столетии, ближе к середине, акварельная техника стала развлечением в кругах рисовальщиков-любителей. На данное событие повлияли опубликованные заметки Гилпина Уильяма Соури, в которых он описывал провинции Англии.

Также к этому моменту распространилась мода на портретную миниатюру, которую стали осмеливаться изучать дилетанты-художники, используя акварельную технику.

Лучшие акварелисты мира 18 и 19 веков

Настоящий расцвет акварели, превративший ее в главный и значимый образец живописи Англии, произошел в тот момент, когда двое художников, Томас Гертин и Джозеф Тернер, приложили к данному делу свои талантливые руки.

В 1804 году благодаря Тернеру создается организация под названием «Общество акварелистов».

Томас Гертин

Ранние работы пейзажных иллюстраций Гертина были традиционными по отношению к английской школе, однако постепенно он смог разработать куда более широкое и масштабное романтическое направление пейзажа. Томас стал использовать акварель для более крупного формата.

Джозеф Тернер

Второй лучший акварелист мира Джозеф Тернер стал самым молодым художником, получившим статус королевского академика. Он смог создать собственный и потому новый вид пейзажа, при помощи которого имел возможность раскрыть свои воспоминания и чувства. Таким образом, у Тернера получилось обогатить армаду акварельных техник.

Своему громкому имени Джозеф также обязан писателю Джону Рескину, который с помощью своих сочинений смог объявить Тернера самым значимым художником своей эпохи.

Заслуга

Деятельность двух вышеописанных гениев повлияла на видение искусства таких деятелей, как

• пейзажисты Дэвид Кокс и Ричард Банингтон;
• лучший в мире акварелист-архитектор Семуэл Праут;
• профессионалы натюрмортов Семуэл Партер, Уильям Хант, Майлз Фостер, Джон Льюис и девушка Люси Мэдокс, а также многие другие.

Акварель в Соединенных Штатах

Расцвет акварели в Америке приходится на середину XIX века, когда сторонниками данного вида живописи выступают лучшие акварелисты мира, такие как Томас Роман, Уинслоу Хомер, Томас Икинс и Уильям Ричардс.

1. Роль Томаса Романа заключалась в его помощи при создании Йеллоустоунского национального парка. По предложению Кука Томас согласился участвовать в геологической исследовательской работе, отправившись в регион Йеллоустоуна. Его чертежи пробудили большой интерес общественности, что повлекло за собой вхождение региона в список национальных достояний парков.
2. Уинслоу Хомер являлся одним из родоначальников американской живописи реализма. Сумел создать собственную художественную школу. По мнению большинства экспертов, он был одним из лучших пейзажных акварелистов мира, оказавшим свое влияние на дальнейшее (XX век) развитие живописи Америки.
3. Томас Икинс также имел причастность к появлению реализма в живописи наряду с мастером Хомером, указанным выше. Художник увлекался механизмом работы человеческого тела, потому тема обнаженных и полуобнаженных фигур в творчестве Икинса занимала ведущее место. На его работах достаточно часто были изображены спортсмены, а еще более точнее — гребцы и борцы.
4. Мастерство Уильяма Ричардса выражалось в довольно точном сходстве работ с изображением фотографий. Приобрел известность в статусе акварельного горного пейзажиста, а впоследствии и мастера водных картин.

Лучшие акварелисты мира во Франции

Распространение акварельного искусства во Франции связано с такими именами, как Эжен Делакруа, Поль Деларош, Анри Арпинье и профессионала художественной сатиры Оноре Домье.

1. Эжен Делакруа — глава направления романтизма в живописи Европы. Был избран в парижский городской совет и награжден почетным орденом. Первой работой, заявившей его имя, стала картина «Резня на Хиосе», изображающая ужасы греческой войны за независимость. Натурализм доходил до такого мастерства, что критики обвиняли его технику даже в чрезмерно натуральной.

2. Поль Деларош — живописец, являющийся представителем и членом направления академизма. В 36 лет его избрали на пост профессора, преподающего в училище изящных искусств города Парижа. Масштабным произведением всей его жизни является работа «Полукружие», которая вместила в себя 75 гениальных художников прошедшего времени.

3. Анри Арпинье считается одним из лучших акварелистов мира пейзажа во Франции того времени. Помимо изображения природы, он работал в портретном стиле. В его творчестве часто можно увидеть рисовки детей.

4. Оноре Домье являлся не только художником, но и графиком, скульптором, а также специалистом карикатуры. Однажды за работу «Гаргантюа» деятеля направили отбывать тюремный срок. Известность получил благодаря карикатурам на политические, общественные и личные темы, изображая успешных людей Франции своего времени.

Мастера акварели в России

Родоначальником и первооткрывателем русской акварели принято считать Петра Федоровича Соколова — одного из лучших художников-акварелистов в мире. Он являлся прародителем отечественного акварельного портрета, а также входил в число академиков Императорской Академии Художеств в Санкт-Петербурге.

Талантом славились и кровные братья семьи Брюлловых. Карл являлся акварелистом, представляющим направления классицизма с романтизмом, а его старший брат Александр был не только художником, но и архитектором, которому принадлежит множество петербургских проектов.

В 1887 году образовалась организация «Мир Искусства», состоявшая из Александра Бенуа, Ивана Билибина, Льва Бакста и художницы Анны Остроумовой-Лебедевой.

В этом же году начинает работать и объединение «Общество русских акварелистов», первым председателем которого являлся упомянутый выше Александр Бенуа.

В XX столетии диапазон отечественных мастеров разрастается. Одними из самых лучших акварелистов мира из России считаются:

• Герасимов Сергей;
• Захаров Сергей;
• Тырса Николай;
• Дейнека Александр;
• Ведерников Александр;
• Верейский Георгий;
• Тетерин Виктор;
• Зубреева Мария и еще множество других талантливых деятелей.

Настоящее время

В нынешнее время техника акварели не потеряла свою значимость и ее возможности продолжают раскрывать все новые и новые лица. Над капризной и сложной краской работает множество деятелей, ниже будет представлен список только некоторых из лучших акварелистов современности.

1. Томас Шаллер — художник и архитектор из Америки. По поводу акварели признавался, что влюблен в нее за способной выражать уникальный голос художника. В тематических предпочтениях лучшего акварелиста мира архитектура (городской пейзаж) и, конечно же, изображения природы.

2. Тьерри Дюваль — итальянский акварелист, который имеет собственную технику нанесения краски, позволяющую неимоверно реалистично изображать детали и картину в целом.

3. Станислав Золадз — польский художник, специализирующийся на гиперреализме. Творчество интересно тем, что автор исключает присутствие человека и о его существовании напоминают только детали (лодки, дома на горизонте или заброшенные сооружения).

4. Аруш Воцмуш — отечественный акварелист из Севастополя. Свою деятельность называет «чистым наркотиком творчества».

5. Анна Армона — художница из Украины. Ее работы являются очень смелыми, так как она любительница красок, использует их очень экспрессивно.

6. Павел Дмох — еще один акварелист из Польши. Изображает реальный городской пейзаж, объединяя тени и свет с интерьером, экстерьером и архитектурой.

7. Джозеф Збуквич — известнейший австралийский художник. Излюбленную краску он сравнивает с дикой лошадью, которую обуздать до конца никогда не получится. Ближе к сердцу ему лежат темы морского, а также противоположного — городского пейзажа.

Ниже представлено фото лучшего акварелиста мира с его работой.

Представьте себе: одно свое невероятное произведение он смог создать с помощью всего лишь одной краски — быстрорастворимого кофе.

8. Мэри Уайт — американская художница, являющейся одной из самых лучших портретных акварелистов мира. На ее картинах отображаются самые разные личности: пожилые, дети, афроамериканцы, женщины, рабочие и другие.

Акварельные художники. Лучшие акварелисты мира: произведения, техника рисования, фото

Дата публикации: 23.12.2016

Есть в акварельной технике какое-то особое – хрупкое очарование, легкость и невесомость, способность удивительно точно передать стремительность и мимолетность момента. Современные живописцы любят акварель. Эта техника идеально подходит для динамичного, стремительно меняющегося на наших глазах мира. В этом обзоре предлагаем вам подборку самых известных художников-акварелистов, добившихся больших высот в искусстве акварели и завоевавших всемирную популярность.

Самый известный австралийский художник, работающий в технике акварели. В Загребе есть музей, названный в его честь. Дело в том, что родился художник в Хорватии (в 1952 г.), но в возрасте 18 лет с семьей эмигрировал в Австралию.

В университете Мельбурна он изучал промышленный дизайн, а позже получил свои первые награды и всемирное признание. Хорваты очень гордятся своим именитым земляком.

Во многих художественных магазинах Европы в продаже можно найти кисти, маркированные его именем.

Секрет успеха художника, по его собственному признанию, в том, что он никогда не делает картин для продажи, а творит исключительно для собственного удовольствия. Работы Д. Збуквича можно видеть в ведущих галереях по всему миру (в США, Великобритании, Австралии, Китае).

Его фирменный знак – “Z” (первая буква его фамилии). Своих студентов он учит свободе, а акварель сравнивает с дикой необузданной лошадью, которую никогда нельзя приручить по-настоящему. Признается в любви к ней, как к самой любимой женщине, и эта любовь длится уже 40 лет.

Художник не любит чистый черный цвет, говоря, что черный – это не цвет, а его отсутствие. Любимая тема – морской пейзаж и городские виды. Одна из самых необычных акварелей, которые создал мастер, написана всего одной краской – и краской этой является быстрорастворимый кофе.

Этот художник просто обожает писать красивых женщин и маленьких детей, окруженных солнечным светом. Его картины чувственны, иногда неприкрыто сексуальны, полны гармонии и очень реалистичны.

Подчас они напоминают искусные фотоснимки. Он любит писать женщин на фоне водных пейзажей, особенно реалистично получается у художника водная стихия.

Стив Хэнкс родился в 1949 г. в Калифорнии и с детства полюбил океан, ведь на его побережье он проводил довольно много времени. Закончил с отличием художественную Академию в Сан-Франциско.

Свой собственный стиль художник называет «эмоциональным реализмом». Входит в 10-ку самых известных американских художников. Про себя говорит, что пишет людей, но не портреты.

Он обожает писать солнечный свет, который является одним из главных действующих лиц его акварелей. Вначале художник пробовал работать с разными техниками – маслом, акрилом. Но позже был вынужден перейти на работу только с акварелью, так как у него выявилась аллергия на краски.

В конце концов, он добился такого мастерства в акварельной живописи, что сделал эту технику очень похожей на живопись маслом.

Родилась в 1953 г. в Огайо. Живописи училась в Филадельфии в художественной школе. Конек этой художницы – портреты.

Она рисует потрясающие акварельные портреты самых разных людей – бедняков, рабочих, детей, старух и стариков, красивых афроамериканских девушек на цветущих, залитых солнцем лугах.

Целая галерея лиц современной Америки. Очень яркие, сочные и солнечные акварели, полные глубокого смысла. На них изображены люди в самых обычных ситуациях, занятые повседневными делами.

Главным в работе художница считает способность точно передать эмоции. Просто мастерски копировать вещи и людей недостаточно.

Художница работает в двух техниках – в масле и акварелью. Именно акварель принесла ей славу и признание по всему миру. Мэри Уайт также с успехом занимается иллюстрированием детских книг.

Его называют французским реалистом. Художник родился в 1962 г. в Париже. В настоящий момент работает иллюстратором в одном из издательств. Получил образование в области декоративно-прикладного искусства.

Рисует исключительно акварелью, пользуясь собственной техникой многослойного нанесения красок, за счет чего добивается неимоверной реалистичности работ. Любит работать над отдельными акцентами.

Тщательная проработка деталей – любимый прием художника, его фирменный знак. Любимая тема – городской пейзаж. Художник обожает писать свой родной Париж и Венецию. Его акварели пронизаны романтизмом и очарованием. Своим учителем в живописи считает Эжена Делакруа.

Итак, некоторое время назад у нас состоялся разговор о восприятии картин в отрыве от имени художника, и всего того, что за именем стоит. Почитать о начале можно здесь
Сегодня я расскажу, кто есть кто.
Общие выводы из ваших комментов и опроса моих знакомых — качественный уровень картины видно сразу. Некоторую безуминку или странность тоже, но очень часто люди путаются, то ли это признак современного искусства, то ли просто нечто непонятное… Различить русского, китайского, европейского художника тоже оказалось сложным.

Угадали единицы, да и то, в основном только потому, что узнали авторов картин.

Акварель №1
Английский художник — Уильям Тернер (1775-1851)
Он потрясающий.
Стоимость каждой его картины десятки миллионов фунтов стерлингов. Обязательно посмотрите его акварели, но не в интернете, а желательно хотя бы в бумажных репродукциях

Акварель №2
Питерский акварелист — Сергей Темерев.
Его журнал sergestus
Нашла случайно, когда искала в жж тех, кто рисует акварелью. Мне очень нравится его картины — и морские пейзажи, и очень необычные натюрморты. Мечтаю как-нибудь попасть на мастер-класс:))

Акварель №3
Константин Кузема. Современный питерских художник. 100 лучших акварелистов мира и все такое:) Про него сейчас очень много говорят, особенно те, кто учиться рисовать.
Сайт, на котором можно посмотреть другие работы или почитать полезные статьи про технику http://kuzema.my1.ru
Но лично я к его картинам отношусь глубоко равнодушно. Не трогает и все.

Акварель №4
Автор — Джозеф Збуквич (Joseph Branko Zbukvic). Родился в 1952 в Хорватии. Позже переехал в Австралию.

Один из самых признанных акварелистов в мире. Его картины и техника просто потрясают воображение. Можно написать его имя в гугле или яндексе и наслаждаться:)

Акварель №5

Это мой трехминутный эскиз, к этой последней акварели:

Где эскиз и где акварель?:) Мне просто хотелось кое-что проверить, и я прикинула композицию пока рисовала вместе с дочкой. Хотя самый популярный ответ был, что именно этот художник из Китая:) Вот они, мои восточные корни:))))) Эта работа совершенно неправильная, потому что всю акварельную краску я мешала с белилами, чтобы проверить, как это будет влиять на подтеки.

Акварель №6
Константин Стерхов.
Он интересен тем, что ведет крайне информативный блог про акварелистов, берет у них интервью без привязки к языковым и географическим барьерам. Живет в Питере, но иногда дает мастер-классы в Москве.
Блог http://sterkhovart.blogspot.ru/
Страница на фейсбуке

Акварель считается одной из самых капризных и темпераментных красок, несмотря на свою простоту и прозрачность. Осваивать рисование дети начинают именно с акварели, но многие ли знают, насколько же велика на самом деле сила этой безобидной краски?

Краткая история: начало развития

Лучшие акварелисты мира смогли творить свои шедевры благодаря Китаю, где после изобретения бумаги, случившемуся во II веке н. э., акварельная техника получила возможность развиваться.

В Европе первые зачатки появились в странах Италии и Испании, когда бумажные изделия возникли и там (XII-XIII века).

Акварельное искусство вошло в использование позднее других разновидностей живописи. Одной из самых знаменитых первых работ, считающейся образцовой, стала картина «Заяц» лучшего акварелиста мира эпохи Ренессанса — Альбрехта Дюрера в 1502 году.

Затем техникой акварели стали заниматься художники Джованни Кастильоне, а также Антонис ван Дейк, однако образцы работ в подобной технике продолжали оставаться на единичном уровне — факт, который подтверждал Монтабер в своем трактате о живописи. Упоминая об акварели, он не вдавался в подробности, так как считал, что данная техника не заслуживает профессионального серьезного внимания.

Однако акварельная техника получила свою надобность в научных и военных исследованиях, когда археологам и геологам было необходимо запечатлеть изучаемые объекты (животных, растений, природу в целом), а также создать топографические и архитектурные схемы.

Подьем

В XVIII столетии, ближе к середине, акварельная техника стала развлечением в кругах рисовальщиков-любителей. На данное событие повлияли опубликованные заметки Гилпина Уильяма Соури, в которых он описывал провинции Англии.

Также к этому моменту распространилась мода на портретную миниатюру, которую стали осмеливаться изучать дилетанты-художники, используя акварельную технику.

Лучшие акварелисты мира 18 и 19 веков

Настоящий расцвет акварели, превративший ее в главный и значимый образец живописи Англии, произошел в тот момент, когда двое художников, Томас Гертин и Джозеф Тернер, приложили к данному делу свои талантливые руки.

В 1804 году благодаря Тернеру создается организация под названием «Общество акварелистов».

Ранние работы пейзажных иллюстраций Гертина были традиционными по отношению к английской школе, однако постепенно он смог разработать куда более широкое и масштабное романтическое направление пейзажа. Томас стал использовать акварель для более крупного формата.

Второй лучший акварелист мира Джозеф Тернер стал самым молодым художником, получившим статус Он смог создать собственный и потому новый вид пейзажа, при помощи которого имел возможность раскрыть свои воспоминания и чувства. Таким образом, у Тернера получилось обогатить армаду акварельных техник.

Своему громкому имени Джозеф также обязан писателю Джону Рескину, который с помощью своих сочинений смог объявить Тернера самым значимым художником своей эпохи.

Заслуга

Деятельность двух вышеописанных гениев повлияла на видение искусства таких деятелей, как

• пейзажисты Дэвид Кокс и Ричард Банингтон;
• лучший в мире акварелист-архитектор Семуэл Праут;
• профессионалы натюрмортов Семуэл Партер, Уильям Хант, Майлз Фостер, Джон Льюис и девушка Люси Мэдокс, а также многие другие.

Акварель в Соединенных Штатах

Расцвет акварели в Америке приходится на середину XIX века, когда сторонниками данного вида живописи выступают лучшие акварелисты мира, такие как Томас Роман, Уинслоу Хомер, Томас Икинс и Уильям Ричардс.

1. Роль Томаса Романа заключалась в его помощи при создании Йеллоустоунского национального парка. По предложению Кука Томас согласился участвовать в геологической исследовательской работе, отправившись в регион Йеллоустоуна. Его чертежи пробудили большой интерес общественности, что повлекло за собой вхождение региона в список национальных достояний парков.
2. Уинслоу Хомер являлся одним из родоначальников американской живописи реализма. Сумел создать собственную художественную школу. По мнению большинства экспертов, он был одним из лучших пейзажных акварелистов мира, оказавшим свое влияние на дальнейшее (XX век) развитие живописи Америки.
3. Томас Икинс также имел причастность к появлению реализма в живописи наряду с мастером Хомером, указанным выше. Художник увлекался механизмом работы человеческого тела, потому тема обнаженных и полуобнаженных фигур в творчестве Икинса занимала ведущее место. На его работах достаточно часто были изображены спортсмены, а еще более точнее — гребцы и борцы.
4. Мастерство Уильяма Ричардса выражалось в довольно точном сходстве работ с изображением фотографий. Приобрел известность в статусе акварельного горного пейзажиста, а впоследствии и мастера водных картин.

Лучшие акварелисты мира во Франции

Распространение акварельного искусства во Франции связано с такими именами, как Эжен Делакруа, Поль Деларош, Анри Арпинье и профессионала художественной сатиры Оноре Домье.

1. Эжен Делакруа — глава направления романтизма в живописи Европы. Был избран в парижский городской совет и награжден почетным орденом. Первой работой, заявившей его имя, стала картина «Резня на Хиосе», изображающая ужасы греческой войны за независимость. Натурализм доходил до такого мастерства, что критики обвиняли его технику даже в чрезмерно натуральной.

2. Поль Деларош — живописец, являющийся представителем и членом направления академизма. В 36 лет его избрали на пост профессора, преподающего в училище изящных искусств города Парижа. Масштабным произведением всей его жизни является работа «Полукружие», которая вместила в себя 75 гениальных художников прошедшего времени.

3. Анри Арпинье считается одним из лучших акварелистов мира пейзажа во Франции того времени. Помимо изображения природы, он работал в портретном стиле. В его творчестве часто можно увидеть рисовки детей.

4. Оноре Домье являлся не только художником, но и графиком, скульптором, а также специалистом карикатуры. Однажды за работу «Гаргантюа» деятеля направили отбывать тюремный срок. Известность получил благодаря карикатурам на политические, общественные и личные темы, изображая успешных людей Франции своего времени.

Мастера акварели в России

Родоначальником и первооткрывателем русской акварели принято считать Петра Федоровича Соколова — одного из лучших художников-акварелистов в мире. Он являлся прародителем отечественного акварельного портрета, а также входил в число академиков Императорской Академии Художеств в Санкт-Петербурге.

Талантом славились и кровные братья семьи Брюлловых. Карл являлся акварелистом, представляющим направления классицизма с романтизмом, а его старший брат Александр был не только художником, но и архитектором, которому принадлежит множество петербургских проектов.

В 1887 году образовалась организация «Мир Искусства», состоявшая из Ивана Билибина, и художницы Анны Остроумовой-Лебедевой.

В этом же году начинает работать и объединение «Общество русских акварелистов», первым председателем которого являлся упомянутый выше Александр Бенуа.

В XX столетии диапазон отечественных мастеров разрастается. Одними из самых лучших акварелистов мира из России считаются:

• Герасимов Сергей;
• Захаров Сергей;
• Тырса Николай;
• Ведерников Александр;
• Верейский Георгий;
• Тетерин Виктор;
• Зубреева Мария и еще множество других талантливых деятелей.

Настоящее время

В нынешнее время техника акварели не потеряла свою значимость и ее возможности продолжают раскрывать все новые и новые лица. Над капризной и сложной краской работает множество деятелей, ниже будет представлен список только некоторых из лучших акварелистов современности.

1. Томас Шаллер — художник и архитектор из Америки. По поводу акварели признавался, что влюблен в нее за способной выражать уникальный голос художника. В тематических предпочтениях лучшего акварелиста мира архитектура (городской пейзаж) и, конечно же, изображения природы.

2. Тьерри Дюваль — итальянский акварелист, который имеет собственную технику нанесения краски, позволяющую неимоверно реалистично изображать детали и картину в целом.

3. Станислав Золадз — польский художник, специализирующийся на гиперреализме. Творчество интересно тем, что автор исключает присутствие человека и о его существовании напоминают только детали (лодки, дома на горизонте или заброшенные сооружения).

4. Аруш Воцмуш — отечественный акварелист из Севастополя. Свою деятельность называет «чистым наркотиком творчества».

5. Анна Армона — художница из Украины. Ее работы являются очень смелыми, так как она любительница красок, использует их очень экспрессивно.

6. Павел Дмох — еще один акварелист из Польши. Изображает реальный городской пейзаж, объединяя тени и свет с интерьером, экстерьером и архитектурой.

7. Джозеф Збуквич — известнейший австралийский художник. Излюбленную краску он сравнивает с дикой лошадью, которую обуздать до конца никогда не получится. Ближе к сердцу ему лежат темы морского, а также противоположного — городского пейзажа.

Ниже представлено фото лучшего акварелиста мира с его работой.

Представьте себе: одно свое невероятное произведение он смог создать с помощью всего лишь одной краски — быстрорастворимого кофе.

8. Мэри Уайт — американская художница, являющейся одной из самых лучших портретных акварелистов мира. На ее картинах отображаются самые разные личности: пожилые, дети, афроамериканцы, женщины, рабочие и другие.

Акварель – (от франц. aquarelle – водяной, от лат. aqua – вода) краска для живописи. В ее состав входят мелко растертый пигмент, и легко растворимые в воде клеи растительного происхождения – гуммиарабик и декстрин. Мед, сахар и глицерин удерживают влагу.

Акварель – легка, прозрачна, вместе с тем сложна. Не терпит исправлении. Краска эта известна с древнейших времен. Их применяли в древнем Египте, древнем Китае и в странах античного мира.Акварель нуждается в особой, пористой бумаге. Она была изобретена в Китае. Краска легко впитывается в нее. Но сложность в прозрачности — нельзя перекрыть один цвет другим — смешаются. Испоравить ошибку невозможно, разве что обыграть нечаянно появившееся пятно. Различают акварель «по-мокрому» и акварель «сухой кистью». Я люблю первый прием. Он носит еще название «а ля прима». Она легче, прозрачнее.

В Европе акварельная живопись вошла в употребление позже других родов живописи. Одним из художников Ренессанса, добившихся больших успехов в акварельной живописи был Альбрехт Дюрер . Примером тому может послужить его работа «Заяц».

Альбрехт Дюрер (1471-1528) Заяц

Альбрехт Дюрер (1471-1528) Примула обыкновенная, 1503. Вашингтон, Национальная Галерея Искусств

В XVIII-XIX века благодаря Томасу Гёртину и Джозефу Тёрнеру акварель стала одним из важнейших видов английской живописи.

Томас Гёртин (Thomas Girtin), английский художник (1775-1802) Руины замка Савой

Томас Гертин – молодой художник, умер в возрасте 27 лет, но его по праву называют выдающимся художником. Он очень быстро выработал свой стиль: отметая некоторые старые каноны, убирая ограниченное в рисунке, стал отказываться от разработки переднего плана, стремился запечатлеть незамкнутое пространство, стремясь к панорамности.

Тёрнер. Внутренний двор церкви Kirkby Lonsdale

Акварелист также постоянно совершенствовал свою технику, изучал природу движения воды и воздуха. К началу XIX века в своих акварелях он достигает силы и выразительности, обычно присущей живописи маслом. Отбрасывая излишнюю детализацию, он создал новый тип пейзажа, посредством которого художник раскрывал свои воспоминания и переживания.

Новации Гёртина, начавшего пользоваться акварелью для картин большого формата, и Тёрнера, существенно обогатившего арсенал технических приёмов акварелиста, вызвали к жизни дальнейший подъём английской акварели в творчестве и художников-пейзажистов.

Английская традиция акварели оказала сильное влияние на русских художников, прежде всего тех, кто был связан с императорской Академией художеств, находившейся в столице империи — Санкт-Петербурге.

Первое имя в летописи русской акварели — Петр Фёдорович Соколов.

Он исполнял портреты своих современников.

Акварельная живопись Петербурга и России достигла исключительного расцвета в последние десятилетия XIX и первые два десятилетия ХХ века. Во времена, когда ещё не было фотографий, быстрота исполнения, минимальное количество утомительных сеансов позирования, воздушность колорита – во всем этом нуждалось русское общество. И поэтому, именно акварель пользовалась успехом в высших и средних его слоях.

Эдуард Петрович Гау . Гатчинский дворец НИЖНИЙ ТРОННЫЙ ЗАЛ. 1877

Свою оригинальную дань искусству акварели принесли такие живописцы, как Илья Репин , Михаил Врубель , Валентин Серов , Иван Билибин .

Врубель

В.Серов Портрет И.Репина

Иван Яковлевич Билибин (1876-1942). На берегу реки. Карандаш, акварель

Важным этапом в развитии русской акварели стала организация в 1887 году «Общества русских акварелистов», возникшего из кружка акварелистов. Регулярные акварельные выставки, создание «Общества русских акварелистов» (1887) способствовали широкому распространению техники, повышению ее статуса. Программа Общества не имела идеологической направленности, в его составе мирно уживались представители разных направлений, объединенные увлеченностью искусством акварели. Его первым председателем был избран А. Н. Бенуа. Общество вело активную выставочную деятельность, проведя за 1896-1918 гг. тридцать восемь выставок. Его членами были А. К. Беггров, Альберт Бенуа, П. Д. Бучкин, Н. Н. Каразин, М. П. Клодт, Л. Ф. Логарио, А. И. Мещерский, Е. Д. Поленова, А. П. Соколов, П. П. Соколов и другие.

АЛЕКСАНДР БЕГГРОВ Галера. Тверь. 1867.

Задачу сохранения и передачи традиций акварельной школы начала XIX века и подготовки почвы для нового взлета акварели «Общество русских акварелистов», несомненно, выполнило. Акварель снова начали воспринимать как самостоятельную, обладающую собственным языком область изобразительного искусства. Многие представители Общества стали учителями для следующего поколения художников.

Акварельная живопись увлекала и членов объединения «Мир искусства» Александра Бенуа (1870-1960), Льва Бакста (1866-1924), Ивана Билибина (1876-1942), Константина Сомова (1869-1939), Анну Остроумову-Лебедеву (1871-1955). Акварелью владел поэт Максимилиан Волошин (1877-1932), рисунки которого пересекались с его поэтическими произведениями.

Лев Самойлович Бакст. Танцовщица из балета Жар-птица. 1910. Акварель.

Иван Билибин

К.Сомов. Купальщицы. 1904. Бумага, акварель.

Александровский дворец в Детском Селе (акварель) П А Остроймова-Лебедева

Волошин

Среди крупнейших мастеров-акварелистов XX века Н. А. Тырса, С. В. Герасимов, А. А. Дейнека, С. Е. Захаров, М. А. Зубреева, А. С. Ведерников, Г. С. Верейский, П. Д. Бучкин, В. М. Конашевич, Н. Ф. Лапшин, В. В. Лебедев, Г. К. Малыш, А. Н. Самохвалов, С. И. Пустовойтов, В. А. Ветрогонский, В. С. Климашин, В. К. Тетерин, А. И. Фонвизин и другие.

Тырса Н.А. Портрет Анны Ахматовой. 1928 Бумага, черная акварель

А.А.Дейнека

• Каковы мировые тенденции в искусстве акварели?
• Что ценят в акварели более всего?
• Кто является самым популярным художником в мире?

Пожалуй, лучше всего на этот вопрос ответит I Международный конкурс Акварели (The 1st World Watercolour Competition), проведенный популярным журналом “The Art of Watercolour”.

В конкурсе приняло участие 1615 художников. Было представлено 1891 акварель. Жюри отобрало сначала 295 полуфиналистов, а затем 23 финалиста. Призами победителей награждены 7 художников.

Работы всех участников напечатаны в каталоге конкурса.

И это дает замечательную возможность увидеть “лицо” – лучшие акварели 2014 года.

В первую очередь, просмотрев каталог, я увидела следующее:

Лучшие акварели мира: основные тенденции

Пейзажи, как всегда, в большинстве. Особенно городские. И если они как-то необычно поданы, то вполне могут оказаться в финале.

Как эта работа William Hook, художника из США:

Одной из самых популярнейших тем являются портреты стариков.

Хотелось бы думать, что это от всеобщей любви и уважения к пожилым людям, от интереса к их жизни от желания понять, чем они живут, увидеть отпечаток времени на их лицах.

Вот пара страничек каталога:

А может тема поднимается многими, поскольку художник является отражением общественного сознания. И часто художники отражают в своих картинах острые социальные проблемы…

Да, тема национальных меньшинств и эмигрантов, кстати, тоже частенько всплывает …

Как бы то ни было, среди 7 работ победителей две являются портретами стариков.

Первое место, победитель конкурса – Cheng-Wen Cheng, художник из Тайваня с картиной “Любящая мать”:

Серебряная медаль конкурса досталась китайскому художнику Guan Weixing за картину “Курящий старик”:

Вам уже интересно, кто получил Бронзовую медаль?..

На третьем месте – (радуйся Поднебесная!) китайский же художник Liu Yi. Полагаю, многие знакомы с его творчеством по композициям с балеринами.

На конкурсе была представлена работа “Китайская девушка”:

Не знаю, как вы, а я вижу в этом хороший знак. Восток и Запад становятся ближе друг другу. Восточные художники пишут в традиционной европейской манере, а европейцы, наоборот, изучают гохуа и суми-е, рисуют гейш и сакуры… Такие примеры в каталоге тоже есть.

Вот, например, акварель аргентинской художницы Stella Escalante:

Кстати, ещё одно наблюдение – ОЧЕНЬ мало акварелей с цветами . На весь каталог с более чем 1800 работами и 30 штук не наберется…

Причем большинство из них – во второй части каталога, “в шлаке”, как я это назвала. А как еще назвать отсеянных авторов, чьи акварели не прошли отбор в полуфинал? Шлак и есть.

Моя работа, кстати, тоже в этом ряду… 🙂 Вот пара этих “серых” страничек, открытых наугад:

На серых страничках, в большинстве своем встречаются какие-то любительские работы, с плохоньким рисунком и бедные по технике.

Однако, есть и очень хорошие, известных художников. Но жюри их не оценило.

Трудно было ему, жюри… Это ведь всегда вопрос – как судить? Что брать за мерило?

И если со слабым рисунком и композицией в целом все понятно, вопросов нет – сразу в шлак, то среди профессионалов уже приходится думать.

Что поставить во главу угла? Социально-значимые темы? Реализм? Новаторство в технике? Или, наоборот, верность традициям?

Безусловно, этими же вопросами задаются и художники. Участие в конкурсе – это возможность посмотреть на свое творчество со стороны. Кто я? Куда иду? Где я в ряду других художников? Интересно ли людям то, что интересно мне?

Именно эти вопросы сподвигли меня представить на конкурс акварели, которые не до конца понятны мне самой. Это энергетическая живопись. Работы, сохраняющие некую энерго-информационную составляющую.

Марина Трушникова. “Мир кристалла”

Я показывала эту акварель в блоге год назад. Возможно вы помните ту практику, которую я предлагала. Было очень много комментариев, давших мне понять, что люди сейчас более чувствительные в своем восприятии. И то, что мы называем абстракцией, может давать нам самые разные чувства и воспоминания.

К сожалению, со сменой сайта пропали и комментарии. Если хотите, опробуйте эту практику на себе, напишите свои впечатления. Это здесь:

А мы вернемся к “белым” и “черным” страницам каталога.

На белых размещены лучшие акварели – работы полуфиналистов. Приятно было увидеть там Константина Стерхова, Евгения Кисничана, Илью Ибряева.

А еще приятней было лицезреть в числе 23-х финалистов наших соотечественников Елену Базанову и Дмитрия Родзина.

Елена Базанова. “Конец зимы 2012. Яблоки”

Дмитрий Родзин. “Лето”

Как видите, большинство работ финалистов очень реалистичны .

Вот, например, акварель литовской художницы Egle Lipeikaite:

Или вот француз Georges Artaud, он получил приз в номинации “Лучший французский художник”:

Прямо-таки медитация на воду… Мне нравится. Всё приятней, чем смотреть на работы другого финалиста, американского художника Andrew Kish III.

Акварельные работы пейзажи. Лучшие акварелисты мира: произведения, техника рисования, фото

Лекарство для тех, кто устал от трэша и суеты. В мире, где на нас ежедневно сваливаются тонны информационного мусора, иногда так хочется отрешиться от всего, вдохнуть полной грудью и остановить свой взгляд на чем-то спокойном, не вызывающем никакого раздражения и дискомфорта. Мы считаем, что лучший отдых для ума и зрения — это погружение в мир искусства. В этом обзоре мы собрали такие работы акварелистов, которые наполнят вас тишиной и станут глотком свежего воздуха в жаркий городской день.

Путешествие в Париж с Тьерри Дювалем

Родившийся в Париже художник Тьерри Дюваль (Thierry Duval) много путешествовал. Отсюда и наличие целых серий картин «по географическому признаку». Тем не менее, любимым местом автора был и остается Париж. Львиная доля работ посвящена именно городу влюбленных. Дюваль пишет картины исключительно акварелью. При этом у него есть своя собственная техника многослойного нанесения краски, что позволяет создавать картины практически с гиперреалистичной детализацией.

Жаркий полдень Канта Харусаки

Канта Харусаки (Kanta Harusaki) — японский акварелист, родился в Кумамото, работать акварелью начал в возрасте 32 лет. Харусаки любит писать, используя «wet brush», но сохраняя правильность рисунка. Он умеет мастерски и достоверно передать прозрачнейший легкий цвет,а также свет и пространство. Зрители восхищаются умением художника передать чёткие контуры бликов и листвы, сочетая это с техникой «по-мокрому».

Живая вода Дэвида Драммонда

Дэвид Драммонд (David Drummond) — американский художник, 20 лет назад влюбившийся в пейзаж водохранилища Пауэлл. Теперь он не устает изучать каждый уголок этого удивительного места и запечатлевать его при помощи акварели. Драммонда интересуют разные состояниия воды, «настроение» природы и перемены в нем. Как обладатель ученой степени по физике, Драммонд со всей научной ответственностью подходит к творчеству, поэтому его акварели кажутся настолько живыми и реалистичными.

Деревенское утро Кристиана Гранью

Француз Кристиан Гранью (Christian Graniou) часто изображает на своих картинах провинциальные пейзажи. Несмотря на то, что детальная прорисовка его не привлекает, а свет оказывается распределенным по всему пространству, работы художника вызывают ощущения простора и заполненности воздухом.

Вечернее спокойствие Джозефа Збуквича

Сегодня австралиец хорватского происхождения Джозеф Збуквич (Joseph Zbukvic) считается одним из столпов акварельного рисунка во всем мире. Художник влюбился в акварель буквально с первого мазка, его поразила неприрученность и индивидуальность этой техники. Он считает, что она живет собственной жизнью. Ее невозможно изучить, не существует способа контролировать поведение акварели. Только объезжать, словно дикую лошадь. Причем ежедневно заново.

Лица людей на большинстве картин художника затемнены или повернуты в сторону. Это сделано для того, чтобы выразить эмоции и чтобы тело «говорило». «Я всегда старался показать миру только позитивные моменты жизни. Я надеюсь, что мои работы приносят радость, умиротворение и уют в жизнь зрителя», — говорит Хэнкс .

Дождливая акварель Лин Чинг Че

Талантливому художнику Лин Чинг Че (Lin Ching-Che) 27 лет. Его вдохновляет осенний дождь. Пасмурные городские улицы вызывают у парня не тоску и уныние, а желание взять в руки кисть. Лин Чинг Че пишет картины акварелью. Разноцветной водой он воспевает дождливую красоту мегаполисов.

Кипящая фантазия Аруша Воцмуша

Под псевдонимом Аруш Воцмуш скрывается талантливый художник из Севастополя Александр Шумцов. О своих картинах художник говорит так: «Я ничего никому не пытаюсь доказывать своими работами. Я в первую очередь получаю удовольствие. Это — чистый наркотик творчества. Или чистая жизнь — без допинга. Просто чудо».

Очарование Парижа в работах Тьерри Дюваля

Родившийся в Париже художник Тьерри Дюваль (Thierry Duval) много путешествовал. Отсюда и наличие целых серий картин по «географическому признаку». Тем не менее любимым местом автора был и остается Париж. Львиная доля работ посвящена именно городу влюбленных. У него есть своя собственная техника многослойного нанесения акварели, что позволяет создавать картины практически с гиперреалистичной детализацией.

Вечернее спокойствие Джозефа Збуквича

Сегодня австралиец хорватского происхождения Джозеф Збуквич (Joseph Zbukvic) считается одним из столпов акварельного рисунка во всем мире. Художник влюбился в акварель буквально с первого мазка, его поразила неприрученность и индивидуальность этой техники.

Тайны востока глазами Мьё Вин Онга

Художник Мьё Вин Онг (Myoe Win Aung) посвятил все свое творчество родной Бирме, ее будням и праздникам, мирянам и монахам, поселкам и городам. Этот мир спокоен, облачен в нежные тона, загадочен и слегка задумчив, как улыбка Будды.

Невероятная акварель Джо Фрэнсиса Даудена

Английский художник Джо Фрэнсис Дауден (Joe Francis Dowden) рисует гиперреалистичные акварели. И считает, что это под силу каждому, нужно лишь знать секреты техники. Секрет его вдохновения предельно прост: «Выбросьте учебники по акварели и затеряйтесь в настоящем лесу».

Магия балета от Лю Йи

Акварели этого китайского художника можно смело назвать искусством об искусстве. Ведь его излюбленной темой являются образы людей, имеющих к нему непосредственное отношение, – к примеру, балерин или классических музыкантов. Своеобразен способ их подачи на картинах: люди как будто проступают из тонкой мглы, эмоциональные и очень характерные. В какой-то мере они перекликаются с образами балерин французского художника Эдгара Дега.

Солнечная живопись Абе Тошиюки

Абе Тошиюки (Abe Toshiyuki) получил художественное образование и 20 лет посвятил преподаванию, ни на минуту не оставляя мечту стать художником. В 2008 году он наконец забросил учительскую профессию и полностью посвятил себя творческой самореализации.

Деревенское утро Кристиана Гранью

Француз Кристиан Гранью (

Акварель – (от франц. aquarelle – водяной, от лат. aqua – вода) краска для живописи. В ее состав входят мелко растертый пигмент, и легко растворимые в воде клеи растительного происхождения – гуммиарабик и декстрин. Мед, сахар и глицерин удерживают влагу.

Акварель – легка, прозрачна, вместе с тем сложна. Не терпит исправлении. Краска эта известна с древнейших времен. Их применяли в древнем Египте, древнем Китае и в странах античного мира. Акварель нуждается в особой, пористой бумаге. Она была изобретена в Китае. Краска легко впитывается в нее. Но сложность в прозрачности — нельзя перекрыть один цвет другим — смешаются. Испоравить ошибку невозможно, разве что обыграть нечаянно появившееся пятно. Различают акварель «по-мокрому» и акварель «сухой кистью». Я люблю первый прием. Он носит еще название «а ля прима». Она легче, прозрачнее.

В Европе акварельная живопись вошла в употребление позже других родов живописи. Одним из художников Ренессанса, добившихся больших успехов в акварельной живописи был Альбрехт Дюрер . Примером тому может послужить его работа «Заяц».

Альбрехт Дюрер (1471-1528) Заяц

Альбрехт Дюрер (1471-1528) Примула обыкновенная, 1503. Вашингтон, Национальная Галерея Искусств

В XVIII-XIX века благодаря Томасу Гёртину и Джозефу Тёрнеру акварель стала одним из важнейших видов английской живописи.

Томас Гёртин (Thomas Girtin), английский художник (1775-1802) Руины замка Савой

Томас Гертин – молодой художник, умер в возрасте 27 лет, но его по праву называют выдающимся художником. Он очень быстро выработал свой стиль: отметая некоторые старые каноны, убирая ограниченное в рисунке, стал отказываться от разработки переднего плана, стремился запечатлеть незамкнутое пространство, стремясь к панорамности.

Тёрнер. Внутренний двор церкви Kirkby Lonsdale

Акварелист также постоянно совершенствовал свою технику, изучал природу движения воды и воздуха. К началу XIX века в своих акварелях он достигает силы и выразительности, обычно присущей живописи маслом. Отбрасывая излишнюю детализацию, он создал новый тип пейзажа, посредством которого художник раскрывал свои воспоминания и переживания.

Новации Гёртина, начавшего пользоваться акварелью для картин большого формата, и Тёрнера, существенно обогатившего арсенал технических приёмов акварелиста, вызвали к жизни дальнейший подъём английской акварели в творчестве и художников-пейзажистов.

Английская традиция акварели оказала сильное влияние на русских художников, прежде всего тех, кто был связан с императорской Академией художеств, находившейся в столице империи — Санкт-Петербурге.

Первое имя в летописи русской акварели — Петр Фёдорович Соколов.

Он исполнял портреты своих современников.

Акварельная живопись Петербурга и России достигла исключительного расцвета в последние десятилетия XIX и первые два десятилетия ХХ века. Во времена, когда ещё не было фотографий, быстрота исполнения, минимальное количество утомительных сеансов позирования, воздушность колорита – во всем этом нуждалось русское общество. И поэтому, именно акварель пользовалась успехом в высших и средних его слоях.

Эдуард Петрович Гау . Гатчинский дворец НИЖНИЙ ТРОННЫЙ ЗАЛ. 1877

Свою оригинальную дань искусству акварели принесли такие живописцы, как Илья Репин , Михаил Врубель , Валентин Серов , Иван Билибин .

Врубель

В.Серов Портрет И.Репина

Иван Яковлевич Билибин (1876-1942). На берегу реки. Карандаш, акварель

Важным этапом в развитии русской акварели стала организация в 1887 году «Общества русских акварелистов», возникшего из кружка акварелистов. Регулярные акварельные выставки, создание «Общества русских акварелистов» (1887) способствовали широкому распространению техники, повышению ее статуса. Программа Общества не имела идеологической направленности, в его составе мирно уживались представители разных направлений, объединенные увлеченностью искусством акварели. Его первым председателем был избран А. Н. Бенуа. Общество вело активную выставочную деятельность, проведя за 1896-1918 гг. тридцать восемь выставок. Его членами были А. К. Беггров, Альберт Бенуа, П. Д. Бучкин, Н. Н. Каразин, М. П. Клодт, Л. Ф. Логарио, А. И. Мещерский, Е. Д. Поленова, А. П. Соколов, П. П. Соколов и другие.

АЛЕКСАНДР БЕГГРОВ Галера. Тверь. 1867.

Задачу сохранения и передачи традиций акварельной школы начала XIX века и подготовки почвы для нового взлета акварели «Общество русских акварелистов», несомненно, выполнило. Акварель снова начали воспринимать как самостоятельную, обладающую собственным языком область изобразительного искусства. Многие представители Общества стали учителями для следующего поколения художников.

Акварельная живопись увлекала и членов объединения «Мир искусства» Александра Бенуа (1870-1960), Льва Бакста (1866-1924), Ивана Билибина (1876-1942), Константина Сомова (1869-1939), Анну Остроумову-Лебедеву (1871-1955). Акварелью владел поэт Максимилиан Волошин (1877-1932), рисунки которого пересекались с его поэтическими произведениями.

Лев Самойлович Бакст. Танцовщица из балета Жар-птица. 1910. Акварель.

Иван Билибин

К.Сомов. Купальщицы. 1904. Бумага, акварель.

Александровский дворец в Детском Селе (акварель) П А Остроймова-Лебедева

Волошин

Среди крупнейших мастеров-акварелистов XX века Н. А. Тырса, С. В. Герасимов, А. А. Дейнека, С. Е. Захаров, М. А. Зубреева, А. С. Ведерников, Г. С. Верейский, П. Д. Бучкин, В. М. Конашевич, Н. Ф. Лапшин, В. В. Лебедев, Г. К. Малыш, А. Н. Самохвалов, С. И. Пустовойтов, В. А. Ветрогонский, В. С. Климашин, В. К. Тетерин, А. И. Фонвизин и другие.

Тырса Н.А. Портрет Анны Ахматовой. 1928 Бумага, черная акварель

А.А.Дейнека

Дата публикации: 23.12.2016

Есть в акварельной технике какое-то особое – хрупкое очарование, легкость и невесомость, способность удивительно точно передать стремительность и мимолетность момента. Современные живописцы любят акварель. Эта техника идеально подходит для динамичного, стремительно меняющегося на наших глазах мира. В этом обзоре предлагаем вам подборку самых известных художников-акварелистов, добившихся больших высот в искусстве акварели и завоевавших всемирную популярность.

Самый известный австралийский художник, работающий в технике акварели. В Загребе есть музей, названный в его честь. Дело в том, что родился художник в Хорватии (в 1952 г.), но в возрасте 18 лет с семьей эмигрировал в Австралию.

В университете Мельбурна он изучал промышленный дизайн, а позже получил свои первые награды и всемирное признание. Хорваты очень гордятся своим именитым земляком. Во многих художественных магазинах Европы в продаже можно найти кисти, маркированные его именем.

Секрет успеха художника, по его собственному признанию, в том, что он никогда не делает картин для продажи, а творит исключительно для собственного удовольствия. Работы Д. Збуквича можно видеть в ведущих галереях по всему миру (в США, Великобритании, Австралии, Китае).

Его фирменный знак – “Z” (первая буква его фамилии). Своих студентов он учит свободе, а акварель сравнивает с дикой необузданной лошадью, которую никогда нельзя приручить по-настоящему. Признается в любви к ней, как к самой любимой женщине, и эта любовь длится уже 40 лет.

Художник не любит чистый черный цвет, говоря, что черный – это не цвет, а его отсутствие. Любимая тема – морской пейзаж и городские виды. Одна из самых необычных акварелей, которые создал мастер, написана всего одной краской – и краской этой является быстрорастворимый кофе.

Этот художник просто обожает писать красивых женщин и маленьких детей, окруженных солнечным светом. Его картины чувственны, иногда неприкрыто сексуальны, полны гармонии и очень реалистичны.

Подчас они напоминают искусные фотоснимки. Он любит писать женщин на фоне водных пейзажей, особенно реалистично получается у художника водная стихия.

Стив Хэнкс родился в 1949 г. в Калифорнии и с детства полюбил океан, ведь на его побережье он проводил довольно много времени. Закончил с отличием художественную Академию в Сан-Франциско.

Свой собственный стиль художник называет «эмоциональным реализмом». Входит в 10-ку самых известных американских художников. Про себя говорит, что пишет людей, но не портреты.

Он обожает писать солнечный свет, который является одним из главных действующих лиц его акварелей. Вначале художник пробовал работать с разными техниками – маслом, акрилом. Но позже был вынужден перейти на работу только с акварелью, так как у него выявилась аллергия на краски.

В конце концов, он добился такого мастерства в акварельной живописи, что сделал эту технику очень похожей на живопись маслом.

Родилась в 1953 г. в Огайо. Живописи училась в Филадельфии в художественной школе. Конек этой художницы – портреты.

Она рисует потрясающие акварельные портреты самых разных людей – бедняков, рабочих, детей, старух и стариков, красивых афроамериканских девушек на цветущих, залитых солнцем лугах.

Целая галерея лиц современной Америки. Очень яркие, сочные и солнечные акварели, полные глубокого смысла. На них изображены люди в самых обычных ситуациях, занятые повседневными делами.

Главным в работе художница считает способность точно передать эмоции. Просто мастерски копировать вещи и людей недостаточно.

Художница работает в двух техниках – в масле и акварелью. Именно акварель принесла ей славу и признание по всему миру. Мэри Уайт также с успехом занимается иллюстрированием детских книг.

Его называют французским реалистом. Художник родился в 1962 г. в Париже. В настоящий момент работает иллюстратором в одном из издательств. Получил образование в области декоративно-прикладного искусства.

Рисует исключительно акварелью, пользуясь собственной техникой многослойного нанесения красок, за счет чего добивается неимоверной реалистичности работ. Любит работать над отдельными акцентами.

Тщательная проработка деталей – любимый прием художника, его фирменный знак. Любимая тема – городской пейзаж. Художник обожает писать свой родной Париж и Венецию. Его акварели пронизаны романтизмом и очарованием. Своим учителем в живописи считает Эжена Делакруа.

Ребята, мы вкладываем душу в сайт. Cпасибо за то,
что открываете эту красоту. Спасибо за вдохновение и мурашки.
Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте

Акварель часто называют самой непослушной, самой капризной краской. С ней трудно работать, ее трудно хранить, она непредсказуема и требует от художника максимальной сосредоточенности. Зато те, кому удалось ее покорить и приручить, знают секрет создания по-настоящему потрясающих работ, глядя на которые задаешься единственным вопросом: «Кому они продали душу, чтобы так рисовать?»

сайт приглашает вас в галерею по-настоящему атмосферных, ярких и талантливых работ. Это именно то современное искусство, которому не стыдно признаться в любви.

Эмоциональный реализм Стива Хэнкса

Лица людей на большинстве картин художника затемнены или повернуты в сторону. Это сделано для того, чтобы выразить эмоции и чтобы тело «говорило». «Я всегда старался показать миру только позитивные моменты жизни. Я надеюсь, что мои работы приносят радость, умиротворение и уют в жизнь зрителя», — говорит Хэнкс .

Дождливая акварель Лин Чинг Че

Талантливому художнику Лин Чинг Че (Lin Ching-Che) 27 лет. Его вдохновляет осенний дождь. Пасмурные городские улицы вызывают у парня не тоску и уныние, а желание взять в руки кисть. Лин Чинг Че пишет картины акварелью. Разноцветной водой он воспевает дождливую красоту мегаполисов.

Кипящая фантазия Аруша Воцмуша

Под псевдонимом Аруш Воцмуш скрывается талантливый художник из Севастополя Александр Шумцов. О своих картинах художник говорит так: «Я ничего никому не пытаюсь доказывать своими работами. Я в первую очередь получаю удовольствие. Это — чистый наркотик творчества. Или чистая жизнь — без допинга. Просто чудо».

Очарование Парижа в работах Тьерри Дюваля

Родившийся в Париже художник Тьерри Дюваль (Thierry Duval) много путешествовал. Отсюда и наличие целых серий картин по «географическому признаку». Тем не менее любимым местом автора был и остается Париж. Львиная доля работ посвящена именно городу влюбленных. У него есть своя собственная техника многослойного нанесения акварели, что позволяет создавать картины практически с гиперреалистичной детализацией.

Вечернее спокойствие Джозефа Збуквича

Сегодня австралиец хорватского происхождения Джозеф Збуквич (Joseph Zbukvic) считается одним из столпов акварельного рисунка во всем мире. Художник влюбился в акварель буквально с первого мазка, его поразила неприрученность и индивидуальность этой техники.

Тайны востока глазами Мьё Вин Онга

Художник Мьё Вин Онг (Myoe Win Aung) посвятил все свое творчество родной Бирме, ее будням и праздникам, мирянам и монахам, поселкам и городам. Этот мир спокоен, облачен в нежные тона, загадочен и слегка задумчив, как улыбка Будды.

Невероятная акварель Джо Фрэнсиса Даудена

Английский художник Джо Фрэнсис Дауден (Joe Francis Dowden) рисует гиперреалистичные акварели. И считает, что это под силу каждому, нужно лишь знать секреты техники. Секрет его вдохновения предельно прост: «Выбросьте учебники по акварели и затеряйтесь в настоящем лесу».

Магия балета от Лю Йи

Акварели этого китайского художника можно смело назвать искусством об искусстве. Ведь его излюбленной темой являются образы людей, имеющих к нему непосредственное отношение, — к примеру, балерин или классических музыкантов. Своеобразен способ их подачи на картинах: люди как будто проступают из тонкой мглы, эмоциональные и очень характерные. В какой-то мере они перекликаются с образами балерин французского художника Эдгара Дега.

Современная акварельная. Лучшие акварелисты мира: произведения, техника рисования, фото

Лица людей на большинстве картин художника затемнены или повернуты в сторону. Это сделано для того, чтобы выразить эмоции и чтобы тело «говорило». «Я всегда старался показать миру только позитивные моменты жизни. Я надеюсь, что мои работы приносят радость, умиротворение и уют в жизнь зрителя», — говорит Хэнкс .

Дождливая акварель Лин Чинг Че

Талантливому художнику Лин Чинг Че (Lin Ching-Che) 27 лет. Его вдохновляет осенний дождь. Пасмурные городские улицы вызывают у парня не тоску и уныние, а желание взять в руки кисть. Лин Чинг Че пишет картины акварелью. Разноцветной водой он воспевает дождливую красоту мегаполисов.

Кипящая фантазия Аруша Воцмуша

Под псевдонимом Аруш Воцмуш скрывается талантливый художник из Севастополя Александр Шумцов. О своих картинах художник говорит так: «Я ничего никому не пытаюсь доказывать своими работами. Я в первую очередь получаю удовольствие. Это — чистый наркотик творчества. Или чистая жизнь — без допинга. Просто чудо».

Очарование Парижа в работах Тьерри Дюваля

Родившийся в Париже художник Тьерри Дюваль (Thierry Duval) много путешествовал. Отсюда и наличие целых серий картин по «географическому признаку». Тем не менее любимым местом автора был и остается Париж. Львиная доля работ посвящена именно городу влюбленных. У него есть своя собственная техника многослойного нанесения акварели, что позволяет создавать картины практически с гиперреалистичной детализацией.

Вечернее спокойствие Джозефа Збуквича

Сегодня австралиец хорватского происхождения Джозеф Збуквич (Joseph Zbukvic) считается одним из столпов акварельного рисунка во всем мире. Художник влюбился в акварель буквально с первого мазка, его поразила неприрученность и индивидуальность этой техники.

Тайны востока глазами Мьё Вин Онга

Художник Мьё Вин Онг (Myoe Win Aung) посвятил все свое творчество родной Бирме, ее будням и праздникам, мирянам и монахам, поселкам и городам. Этот мир спокоен, облачен в нежные тона, загадочен и слегка задумчив, как улыбка Будды.

Невероятная акварель Джо Фрэнсиса Даудена

Английский художник Джо Фрэнсис Дауден (Joe Francis Dowden) рисует гиперреалистичные акварели. И считает, что это под силу каждому, нужно лишь знать секреты техники. Секрет его вдохновения предельно прост: «Выбросьте учебники по акварели и затеряйтесь в настоящем лесу».

Магия балета от Лю Йи

Акварели этого китайского художника можно смело назвать искусством об искусстве. Ведь его излюбленной темой являются образы людей, имеющих к нему непосредственное отношение, – к примеру, балерин или классических музыкантов. Своеобразен способ их подачи на картинах: люди как будто проступают из тонкой мглы, эмоциональные и очень характерные. В какой-то мере они перекликаются с образами балерин французского художника Эдгара Дега.

Солнечная живопись Абе Тошиюки

Абе Тошиюки (Abe Toshiyuki) получил художественное образование и 20 лет посвятил преподаванию, ни на минуту не оставляя мечту стать художником. В 2008 году он наконец забросил учительскую профессию и полностью посвятил себя творческой самореализации.

Деревенское утро Кристиана Гранью

Француз Кристиан Гранью (

Акварель считается одной из самых капризных и темпераментных красок, несмотря на свою простоту и прозрачность. Осваивать рисование дети начинают именно с акварели, но многие ли знают, насколько же велика на самом деле сила этой безобидной краски?

Краткая история: начало развития

Лучшие акварелисты мира смогли творить свои шедевры благодаря Китаю, где после изобретения бумаги, случившемуся во II веке н. э., акварельная техника получила возможность развиваться.

В Европе первые зачатки появились в странах Италии и Испании, когда бумажные изделия возникли и там (XII-XIII века).

Акварельное искусство вошло в использование позднее других разновидностей живописи. Одной из самых знаменитых первых работ, считающейся образцовой, стала картина «Заяц» лучшего акварелиста мира эпохи Ренессанса — Альбрехта Дюрера в 1502 году.

Затем техникой акварели стали заниматься художники Джованни Кастильоне, а также Антонис ван Дейк, однако образцы работ в подобной технике продолжали оставаться на единичном уровне — факт, который подтверждал Монтабер в своем трактате о живописи. Упоминая об акварели, он не вдавался в подробности, так как считал, что данная техника не заслуживает профессионального серьезного внимания.

Однако акварельная техника получила свою надобность в научных и военных исследованиях, когда археологам и геологам было необходимо запечатлеть изучаемые объекты (животных, растений, природу в целом), а также создать топографические и архитектурные схемы.

Подьем

В XVIII столетии, ближе к середине, акварельная техника стала развлечением в кругах рисовальщиков-любителей. На данное событие повлияли опубликованные заметки Гилпина Уильяма Соури, в которых он описывал провинции Англии.

Также к этому моменту распространилась мода на портретную миниатюру, которую стали осмеливаться изучать дилетанты-художники, используя акварельную технику.

Лучшие акварелисты мира 18 и 19 веков

Настоящий расцвет акварели, превративший ее в главный и значимый образец живописи Англии, произошел в тот момент, когда двое художников, Томас Гертин и Джозеф Тернер, приложили к данному делу свои талантливые руки.

В 1804 году благодаря Тернеру создается организация под названием «Общество акварелистов».

Ранние работы пейзажных иллюстраций Гертина были традиционными по отношению к английской школе, однако постепенно он смог разработать куда более широкое и масштабное романтическое направление пейзажа. Томас стал использовать акварель для более крупного формата.

Второй лучший акварелист мира Джозеф Тернер стал самым молодым художником, получившим статус Он смог создать собственный и потому новый вид пейзажа, при помощи которого имел возможность раскрыть свои воспоминания и чувства. Таким образом, у Тернера получилось обогатить армаду акварельных техник.

Своему громкому имени Джозеф также обязан писателю Джону Рескину, который с помощью своих сочинений смог объявить Тернера самым значимым художником своей эпохи.

Заслуга

Деятельность двух вышеописанных гениев повлияла на видение искусства таких деятелей, как

• пейзажисты Дэвид Кокс и Ричард Банингтон;
• лучший в мире акварелист-архитектор Семуэл Праут;
• профессионалы натюрмортов Семуэл Партер, Уильям Хант, Майлз Фостер, Джон Льюис и девушка Люси Мэдокс, а также многие другие.

Акварель в Соединенных Штатах

Расцвет акварели в Америке приходится на середину XIX века, когда сторонниками данного вида живописи выступают лучшие акварелисты мира, такие как Томас Роман, Уинслоу Хомер, Томас Икинс и Уильям Ричардс.

1. Роль Томаса Романа заключалась в его помощи при создании Йеллоустоунского национального парка. По предложению Кука Томас согласился участвовать в геологической исследовательской работе, отправившись в регион Йеллоустоуна. Его чертежи пробудили большой интерес общественности, что повлекло за собой вхождение региона в список национальных достояний парков.
2. Уинслоу Хомер являлся одним из родоначальников американской живописи реализма. Сумел создать собственную художественную школу. По мнению большинства экспертов, он был одним из лучших пейзажных акварелистов мира, оказавшим свое влияние на дальнейшее (XX век) развитие живописи Америки.
3. Томас Икинс также имел причастность к появлению реализма в живописи наряду с мастером Хомером, указанным выше. Художник увлекался механизмом работы человеческого тела, потому тема обнаженных и полуобнаженных фигур в творчестве Икинса занимала ведущее место. На его работах достаточно часто были изображены спортсмены, а еще более точнее — гребцы и борцы.
4. Мастерство Уильяма Ричардса выражалось в довольно точном сходстве работ с изображением фотографий. Приобрел известность в статусе акварельного горного пейзажиста, а впоследствии и мастера водных картин.

Лучшие акварелисты мира во Франции

Распространение акварельного искусства во Франции связано с такими именами, как Эжен Делакруа, Поль Деларош, Анри Арпинье и профессионала художественной сатиры Оноре Домье.

1. Эжен Делакруа — глава направления романтизма в живописи Европы. Был избран в парижский городской совет и награжден почетным орденом. Первой работой, заявившей его имя, стала картина «Резня на Хиосе», изображающая ужасы греческой войны за независимость. Натурализм доходил до такого мастерства, что критики обвиняли его технику даже в чрезмерно натуральной.

2. Поль Деларош — живописец, являющийся представителем и членом направления академизма. В 36 лет его избрали на пост профессора, преподающего в училище изящных искусств города Парижа. Масштабным произведением всей его жизни является работа «Полукружие», которая вместила в себя 75 гениальных художников прошедшего времени.

3. Анри Арпинье считается одним из лучших акварелистов мира пейзажа во Франции того времени. Помимо изображения природы, он работал в портретном стиле. В его творчестве часто можно увидеть рисовки детей.

4. Оноре Домье являлся не только художником, но и графиком, скульптором, а также специалистом карикатуры. Однажды за работу «Гаргантюа» деятеля направили отбывать тюремный срок. Известность получил благодаря карикатурам на политические, общественные и личные темы, изображая успешных людей Франции своего времени.

Мастера акварели в России

Родоначальником и первооткрывателем русской акварели принято считать Петра Федоровича Соколова — одного из лучших художников-акварелистов в мире. Он являлся прародителем отечественного акварельного портрета, а также входил в число академиков Императорской Академии Художеств в Санкт-Петербурге.

Талантом славились и кровные братья семьи Брюлловых. Карл являлся акварелистом, представляющим направления классицизма с романтизмом, а его старший брат Александр был не только художником, но и архитектором, которому принадлежит множество петербургских проектов.

В 1887 году образовалась организация «Мир Искусства», состоявшая из Ивана Билибина, и художницы Анны Остроумовой-Лебедевой.

В этом же году начинает работать и объединение «Общество русских акварелистов», первым председателем которого являлся упомянутый выше Александр Бенуа.

В XX столетии диапазон отечественных мастеров разрастается. Одними из самых лучших акварелистов мира из России считаются:

• Герасимов Сергей;
• Захаров Сергей;
• Тырса Николай;
• Ведерников Александр;
• Верейский Георгий;
• Тетерин Виктор;
• Зубреева Мария и еще множество других талантливых деятелей.

Настоящее время

В нынешнее время техника акварели не потеряла свою значимость и ее возможности продолжают раскрывать все новые и новые лица. Над капризной и сложной краской работает множество деятелей, ниже будет представлен список только некоторых из лучших акварелистов современности.

1. Томас Шаллер — художник и архитектор из Америки. По поводу акварели признавался, что влюблен в нее за способной выражать уникальный голос художника. В тематических предпочтениях лучшего акварелиста мира архитектура (городской пейзаж) и, конечно же, изображения природы.

2. Тьерри Дюваль — итальянский акварелист, который имеет собственную технику нанесения краски, позволяющую неимоверно реалистично изображать детали и картину в целом.

3. Станислав Золадз — польский художник, специализирующийся на гиперреализме. Творчество интересно тем, что автор исключает присутствие человека и о его существовании напоминают только детали (лодки, дома на горизонте или заброшенные сооружения).

4. Аруш Воцмуш — отечественный акварелист из Севастополя. Свою деятельность называет «чистым наркотиком творчества».

5. Анна Армона — художница из Украины. Ее работы являются очень смелыми, так как она любительница красок, использует их очень экспрессивно.

6. Павел Дмох — еще один акварелист из Польши. Изображает реальный городской пейзаж, объединяя тени и свет с интерьером, экстерьером и архитектурой.

7. Джозеф Збуквич — известнейший австралийский художник. Излюбленную краску он сравнивает с дикой лошадью, которую обуздать до конца никогда не получится. Ближе к сердцу ему лежат темы морского, а также противоположного — городского пейзажа.

Ниже представлено фото лучшего акварелиста мира с его работой.

Представьте себе: одно свое невероятное произведение он смог создать с помощью всего лишь одной краски — быстрорастворимого кофе.

8. Мэри Уайт — американская художница, являющейся одной из самых лучших портретных акварелистов мира. На ее картинах отображаются самые разные личности: пожилые, дети, афроамериканцы, женщины, рабочие и другие.

Среди призёров Международного конкурса художников-акварелистов в 2014 году были два представителя России,работы которых мы сегодня посмотрим.

Елена Базанова — художник с мировым именем, работающий в технике акварели.

Родилась в 1968 в городе Сланцы Ленинградской области.
Закончила Санкт-Петербургский Академический художественный лицей им. Б.В. Иогансона и Государственную Академию живописи, скульптуры и архитектуры им И.Е.Репина (мастерскую книжной графики).
С 1989 года активно работает с издательствами Санкт-Петербурга, c 1996-го иллюстрирует издания для детей.
С 1995 года — член Союза Художников России.
С 2006 года — член Общества Акварелистов Санкт-Петербурга.

Работы находятся в галереях и частных коллекциях России, Германии, США, Франции, Англии, Швеции, Исландии, Финляндии, Нидерландов, Казахстана.

На конкурс были выставлены работы.

Зима. Яблоки.

Сейчас Елена — член Общества акварелистов Санкт-Петербурга, регулярно участвующий в сезонных выставках Союза художников, активно выставляющийся как в России, так и заграницей (в Великобритании, Германии, США, Ирландии). На ее счету семь персональных и участие в более чем пятидесяти коллективных выставках в России.

С 2006 года — член Общества Акварелистов Санкт-Петербурга.

Три яблока.

Елена Базанова так рассказывает о своем творчестве.

— Почему выбрали именно акварель?

Как мне кажется, я чувствую этот материал, это позволяет мне раскрывать его особенности в очень сложных живописных задачах. Именно это напряжение в работе мне кажется привлекательным, управлять стихией воды и краски — самое захватывающее и интригующее в акварельной живописи.

Букет земляники .

Натюрморт с кукурузой

В каких техниках еще работаете?

Благодаря полученному образованию, я владею самыми разными техниками. Не всеми, конечно, постоянно пользуюсь, нельзя объять необъятное, к сожалению. Люблю делать рисунки мягкими материалами, при иллюстрировании книг часто использую рисование тушью, пером и цветными карандашами.

Лилейники .

Три яблока .

Подсолнухи

Климатисы

— Ваш любимый жанр натюрморт? А как же пейзажи и портреты?

Да, последнее время я много работаю именно в жанре натюрморта. Также пишу портреты животных. Очень хочется сделать новую серию пейзажей и поработать с портретами людей. Так что в моих планах расширение границ жанра.

Этюд с клубникой .

Натюрморт

Вы проиллюстрировали «Алису в стране чуде с». Эти работы совсем не похожи на Ваши натюрморты.

Я не отношу себя к художникам, которые постоянно навязывают свою манеру изображаемой теме, иллюстрируемой книге. Я двигаюсь по пути создания образа, исходя из сути того, что является предметом изображения или иллюстрирования. От этого появляются и разные пластические решения. Иллюстрация не должна создавать барьера для восприятия текста, особенно в детской книге.

Мой опыт работы в книжной иллюстрации достаточно большой. Начиная со студенческих проектов, я старалась достигать максимального единства иллюстраций с текстом и идеей автора.

Натюрморт с красной смородиной .

Горох.

Натюрморт с персиками

Вишня

Дуся
:

Дмитрий Родзин родился в 1969 году в г. Краснодаре.

В 1988 г. закончил Краснодарское художественное училище.

1991-1997 — учился в Российской Академии живописи, ваяния и зодчества в мастерской исторической живописи (дипломная работа — «Изгнание торгующих из храма»).

Среди произведений — исторические и жанровые композиции, портреты, пейзажи, натюрморты, оформление интерьеров, книжная графика.

Участник выставок с 1993 г.

Персональная выставка «После традиции» состоялась в 2002 г. в филиале ГЦТМ им. А.А. Бахрушина (Москва).

В настоящее время живет и работает в Москве.

На конкурсе была представлена работа.

Лето. Ксения и Сонечка.

Живые лилии, сухие розы и нецкэ

Соня.

Отдых.

Детские образы — одна из любимых тем в творчестве Дмитрия. На его картинах — мысли и эмоции маленького человека, его взросление, начало познавания мира. В ряде акварелей художник развивает тему отражений. В них создается двойная иллюзия: иллюзия трехмерности в двухмерном зеркале и иллюзия трехмерности на двухмерном листе бумаги.

Осень

Любопытство.

Windows

Крестик.

День рождения

Петуния.

Просто этюд.

Из тени в свет.

Измайловский парк. Февраль

Арбат.

Черниговский переулок.

Дмитрий Родзин много работает в жанре монументальной живописи. Его росписи находятся, в частности, в резиденции Президента Российской Федерации, Доме Приемов Президента Российской Федерации, резиденции премьер-министра Российской Федерации и Свято-Троицком Серафимо-Дивеевском женском монастыре.

Источники.

http://cleargallery.ru/gallery/open/aid-223

• Каковы мировые тенденции в искусстве акварели?
• Что ценят в акварели более всего?
• Кто является самым популярным художником в мире?

Пожалуй, лучше всего на этот вопрос ответит I Международный конкурс Акварели (The 1st World Watercolour Competition), проведенный популярным журналом “The Art of Watercolour”.

В конкурсе приняло участие 1615 художников. Было представлено 1891 акварель. Жюри отобрало сначала 295 полуфиналистов, а затем 23 финалиста. Призами победителей награждены 7 художников.

Работы всех участников напечатаны в каталоге конкурса.

И это дает замечательную возможность увидеть “лицо” – лучшие акварели 2014 года.

В первую очередь, просмотрев каталог, я увидела следующее:

Лучшие акварели мира: основные тенденции

Пейзажи, как всегда, в большинстве. Особенно городские. И если они как-то необычно поданы, то вполне могут оказаться в финале.

Как эта работа William Hook, художника из США:

Одной из самых популярнейших тем являются портреты стариков.

Хотелось бы думать, что это от всеобщей любви и уважения к пожилым людям, от интереса к их жизни от желания понять, чем они живут, увидеть отпечаток времени на их лицах.

Вот пара страничек каталога:

А может тема поднимается многими, поскольку художник является отражением общественного сознания. И часто художники отражают в своих картинах острые социальные проблемы…

Да, тема национальных меньшинств и эмигрантов, кстати, тоже частенько всплывает …

Как бы то ни было, среди 7 работ победителей две являются портретами стариков.

Первое место, победитель конкурса – Cheng-Wen Cheng, художник из Тайваня с картиной “Любящая мать”:

Серебряная медаль конкурса досталась китайскому художнику Guan Weixing за картину “Курящий старик”:

Вам уже интересно, кто получил Бронзовую медаль?..

На третьем месте – (радуйся Поднебесная!) китайский же художник Liu Yi. Полагаю, многие знакомы с его творчеством по композициям с балеринами.

На конкурсе была представлена работа “Китайская девушка”:

Не знаю, как вы, а я вижу в этом хороший знак. Восток и Запад становятся ближе друг другу. Восточные художники пишут в традиционной европейской манере, а европейцы, наоборот, изучают гохуа и суми-е, рисуют гейш и сакуры… Такие примеры в каталоге тоже есть.

Вот, например, акварель аргентинской художницы Stella Escalante:

Кстати, ещё одно наблюдение – ОЧЕНЬ мало акварелей с цветами . На весь каталог с более чем 1800 работами и 30 штук не наберется…

Причем большинство из них – во второй части каталога, “в шлаке”, как я это назвала. А как еще назвать отсеянных авторов, чьи акварели не прошли отбор в полуфинал? Шлак и есть.

Моя работа, кстати, тоже в этом ряду… 🙂 Вот пара этих “серых” страничек, открытых наугад:

На серых страничках, в большинстве своем встречаются какие-то любительские работы, с плохоньким рисунком и бедные по технике.

Однако, есть и очень хорошие, известных художников. Но жюри их не оценило.

Трудно было ему, жюри… Это ведь всегда вопрос – как судить? Что брать за мерило?

И если со слабым рисунком и композицией в целом все понятно, вопросов нет – сразу в шлак, то среди профессионалов уже приходится думать.

Что поставить во главу угла? Социально-значимые темы? Реализм? Новаторство в технике? Или, наоборот, верность традициям?

Безусловно, этими же вопросами задаются и художники. Участие в конкурсе – это возможность посмотреть на свое творчество со стороны. Кто я? Куда иду? Где я в ряду других художников? Интересно ли людям то, что интересно мне?

Именно эти вопросы сподвигли меня представить на конкурс акварели, которые не до конца понятны мне самой. Это энергетическая живопись. Работы, сохраняющие некую энерго-информационную составляющую.

Марина Трушникова. “Мир кристалла”

Я показывала эту акварель в блоге год назад. Возможно вы помните ту практику, которую я предлагала. Было очень много комментариев, давших мне понять, что люди сейчас более чувствительные в своем восприятии. И то, что мы называем абстракцией, может давать нам самые разные чувства и воспоминания.

К сожалению, со сменой сайта пропали и комментарии. Если хотите, опробуйте эту практику на себе, напишите свои впечатления. Это здесь:

А мы вернемся к “белым” и “черным” страницам каталога.

На белых размещены лучшие акварели – работы полуфиналистов. Приятно было увидеть там Константина Стерхова, Евгения Кисничана, Илью Ибряева.

А еще приятней было лицезреть в числе 23-х финалистов наших соотечественников Елену Базанову и Дмитрия Родзина.

Елена Базанова. “Конец зимы 2012. Яблоки”

Дмитрий Родзин. “Лето”

Как видите, большинство работ финалистов очень реалистичны .

Вот, например, акварель литовской художницы Egle Lipeikaite:

Или вот француз Georges Artaud, он получил приз в номинации “Лучший французский художник”:

Прямо-таки медитация на воду… Мне нравится. Всё приятней, чем смотреть на работы другого финалиста, американского художника Andrew Kish III.

Современные картины акварелью. Лучшие акварелисты мира: произведения, техника рисования, фото

Лекарство для тех, кто устал от трэша и суеты. В мире, где на нас ежедневно сваливаются тонны информационного мусора, иногда так хочется отрешиться от всего, вдохнуть полной грудью и остановить свой взгляд на чем-то спокойном, не вызывающем никакого раздражения и дискомфорта. Мы считаем, что лучший отдых для ума и зрения — это погружение в мир искусства. В этом обзоре мы собрали такие работы акварелистов, которые наполнят вас тишиной и станут глотком свежего воздуха в жаркий городской день.

Путешествие в Париж с Тьерри Дювалем

Родившийся в Париже художник Тьерри Дюваль (Thierry Duval) много путешествовал. Отсюда и наличие целых серий картин «по географическому признаку». Тем не менее, любимым местом автора был и остается Париж. Львиная доля работ посвящена именно городу влюбленных. Дюваль пишет картины исключительно акварелью. При этом у него есть своя собственная техника многослойного нанесения краски, что позволяет создавать картины практически с гиперреалистичной детализацией.

Жаркий полдень Канта Харусаки

Канта Харусаки (Kanta Harusaki) — японский акварелист, родился в Кумамото, работать акварелью начал в возрасте 32 лет. Харусаки любит писать, используя «wet brush», но сохраняя правильность рисунка. Он умеет мастерски и достоверно передать прозрачнейший легкий цвет,а также свет и пространство. Зрители восхищаются умением художника передать чёткие контуры бликов и листвы, сочетая это с техникой «по-мокрому».

Живая вода Дэвида Драммонда

Дэвид Драммонд (David Drummond) — американский художник, 20 лет назад влюбившийся в пейзаж водохранилища Пауэлл. Теперь он не устает изучать каждый уголок этого удивительного места и запечатлевать его при помощи акварели. Драммонда интересуют разные состояниия воды, «настроение» природы и перемены в нем. Как обладатель ученой степени по физике, Драммонд со всей научной ответственностью подходит к творчеству, поэтому его акварели кажутся настолько живыми и реалистичными.

Деревенское утро Кристиана Гранью

Француз Кристиан Гранью (Christian Graniou) часто изображает на своих картинах провинциальные пейзажи. Несмотря на то, что детальная прорисовка его не привлекает, а свет оказывается распределенным по всему пространству, работы художника вызывают ощущения простора и заполненности воздухом.

Вечернее спокойствие Джозефа Збуквича

Сегодня австралиец хорватского происхождения Джозеф Збуквич (Joseph Zbukvic) считается одним из столпов акварельного рисунка во всем мире. Художник влюбился в акварель буквально с первого мазка, его поразила неприрученность и индивидуальность этой техники. Он считает, что она живет собственной жизнью. Ее невозможно изучить, не существует способа контролировать поведение акварели. Только объезжать, словно дикую лошадь. Причем ежедневно заново.

Ребята, мы вкладываем душу в сайт. Cпасибо за то,
что открываете эту красоту. Спасибо за вдохновение и мурашки.
Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте

Акварель часто называют самой непослушной, самой капризной краской. С ней трудно работать, ее трудно хранить, она непредсказуема и требует от художника максимальной сосредоточенности. Зато те, кому удалось ее покорить и приручить, знают секрет создания по-настоящему потрясающих работ, глядя на которые задаешься единственным вопросом: «Кому они продали душу, чтобы так рисовать?»

сайт приглашает вас в галерею по-настоящему атмосферных, ярких и талантливых работ. Это именно то современное искусство, которому не стыдно признаться в любви.

Эмоциональный реализм Стива Хэнкса

Лица людей на большинстве картин художника затемнены или повернуты в сторону. Это сделано для того, чтобы выразить эмоции и чтобы тело «говорило». «Я всегда старался показать миру только позитивные моменты жизни. Я надеюсь, что мои работы приносят радость, умиротворение и уют в жизнь зрителя», — говорит Хэнкс .

Дождливая акварель Лин Чинг Че

Талантливому художнику Лин Чинг Че (Lin Ching-Che) 27 лет. Его вдохновляет осенний дождь. Пасмурные городские улицы вызывают у парня не тоску и уныние, а желание взять в руки кисть. Лин Чинг Че пишет картины акварелью. Разноцветной водой он воспевает дождливую красоту мегаполисов.

Кипящая фантазия Аруша Воцмуша

Под псевдонимом Аруш Воцмуш скрывается талантливый художник из Севастополя Александр Шумцов. О своих картинах художник говорит так: «Я ничего никому не пытаюсь доказывать своими работами. Я в первую очередь получаю удовольствие. Это — чистый наркотик творчества. Или чистая жизнь — без допинга. Просто чудо».

Очарование Парижа в работах Тьерри Дюваля

Родившийся в Париже художник Тьерри Дюваль (Thierry Duval) много путешествовал. Отсюда и наличие целых серий картин по «географическому признаку». Тем не менее любимым местом автора был и остается Париж. Львиная доля работ посвящена именно городу влюбленных. У него есть своя собственная техника многослойного нанесения акварели, что позволяет создавать картины практически с гиперреалистичной детализацией.

Вечернее спокойствие Джозефа Збуквича

Сегодня австралиец хорватского происхождения Джозеф Збуквич (Joseph Zbukvic) считается одним из столпов акварельного рисунка во всем мире. Художник влюбился в акварель буквально с первого мазка, его поразила неприрученность и индивидуальность этой техники.

Тайны востока глазами Мьё Вин Онга

Художник Мьё Вин Онг (Myoe Win Aung) посвятил все свое творчество родной Бирме, ее будням и праздникам, мирянам и монахам, поселкам и городам. Этот мир спокоен, облачен в нежные тона, загадочен и слегка задумчив, как улыбка Будды.

Невероятная акварель Джо Фрэнсиса Даудена

Английский художник Джо Фрэнсис Дауден (Joe Francis Dowden) рисует гиперреалистичные акварели. И считает, что это под силу каждому, нужно лишь знать секреты техники. Секрет его вдохновения предельно прост: «Выбросьте учебники по акварели и затеряйтесь в настоящем лесу».

Магия балета от Лю Йи

Акварели этого китайского художника можно смело назвать искусством об искусстве. Ведь его излюбленной темой являются образы людей, имеющих к нему непосредственное отношение, — к примеру, балерин или классических музыкантов. Своеобразен способ их подачи на картинах: люди как будто проступают из тонкой мглы, эмоциональные и очень характерные. В какой-то мере они перекликаются с образами балерин французского художника Эдгара Дега.

Среди призёров Международного конкурса художников-акварелистов в 2014 году были два представителя России,работы которых мы сегодня посмотрим.

Елена Базанова — художник с мировым именем, работающий в технике акварели.

Родилась в 1968 в городе Сланцы Ленинградской области.
Закончила Санкт-Петербургский Академический художественный лицей им. Б.В. Иогансона и Государственную Академию живописи, скульптуры и архитектуры им И.Е.Репина (мастерскую книжной графики).
С 1989 года активно работает с издательствами Санкт-Петербурга, c 1996-го иллюстрирует издания для детей.
С 1995 года — член Союза Художников России.
С 2006 года — член Общества Акварелистов Санкт-Петербурга.

Работы находятся в галереях и частных коллекциях России, Германии, США, Франции, Англии, Швеции, Исландии, Финляндии, Нидерландов, Казахстана.

На конкурс были выставлены работы.

Зима. Яблоки.

Сейчас Елена — член Общества акварелистов Санкт-Петербурга, регулярно участвующий в сезонных выставках Союза художников, активно выставляющийся как в России, так и заграницей (в Великобритании, Германии, США, Ирландии). На ее счету семь персональных и участие в более чем пятидесяти коллективных выставках в России.

С 2006 года — член Общества Акварелистов Санкт-Петербурга.

Три яблока.

Елена Базанова так рассказывает о своем творчестве.

— Почему выбрали именно акварель?

Как мне кажется, я чувствую этот материал, это позволяет мне раскрывать его особенности в очень сложных живописных задачах. Именно это напряжение в работе мне кажется привлекательным, управлять стихией воды и краски — самое захватывающее и интригующее в акварельной живописи.

Букет земляники .

Натюрморт с кукурузой

В каких техниках еще работаете?

Благодаря полученному образованию, я владею самыми разными техниками. Не всеми, конечно, постоянно пользуюсь, нельзя объять необъятное, к сожалению. Люблю делать рисунки мягкими материалами, при иллюстрировании книг часто использую рисование тушью, пером и цветными карандашами.

Лилейники .

Три яблока .

Подсолнухи

Климатисы

— Ваш любимый жанр натюрморт? А как же пейзажи и портреты?

Да, последнее время я много работаю именно в жанре натюрморта. Также пишу портреты животных. Очень хочется сделать новую серию пейзажей и поработать с портретами людей. Так что в моих планах расширение границ жанра.

Этюд с клубникой .

Натюрморт

Вы проиллюстрировали «Алису в стране чуде с». Эти работы совсем не похожи на Ваши натюрморты.

Я не отношу себя к художникам, которые постоянно навязывают свою манеру изображаемой теме, иллюстрируемой книге. Я двигаюсь по пути создания образа, исходя из сути того, что является предметом изображения или иллюстрирования. От этого появляются и разные пластические решения. Иллюстрация не должна создавать барьера для восприятия текста, особенно в детской книге.

Мой опыт работы в книжной иллюстрации достаточно большой. Начиная со студенческих проектов, я старалась достигать максимального единства иллюстраций с текстом и идеей автора.

Натюрморт с красной смородиной .

Горох.

Натюрморт с персиками

Вишня

Дуся
:

Дмитрий Родзин родился в 1969 году в г. Краснодаре.

В 1988 г. закончил Краснодарское художественное училище.

1991-1997 — учился в Российской Академии живописи, ваяния и зодчества в мастерской исторической живописи (дипломная работа — «Изгнание торгующих из храма»).

Среди произведений — исторические и жанровые композиции, портреты, пейзажи, натюрморты, оформление интерьеров, книжная графика.

Участник выставок с 1993 г.

Персональная выставка «После традиции» состоялась в 2002 г. в филиале ГЦТМ им. А.А. Бахрушина (Москва).

В настоящее время живет и работает в Москве.

На конкурсе была представлена работа.

Лето. Ксения и Сонечка.

Живые лилии, сухие розы и нецкэ

Соня.

Отдых.

Детские образы — одна из любимых тем в творчестве Дмитрия. На его картинах — мысли и эмоции маленького человека, его взросление, начало познавания мира. В ряде акварелей художник развивает тему отражений. В них создается двойная иллюзия: иллюзия трехмерности в двухмерном зеркале и иллюзия трехмерности на двухмерном листе бумаги.

Осень

Любопытство.

Windows

Крестик.

День рождения

Петуния.

Просто этюд.

Из тени в свет.

Измайловский парк. Февраль

Арбат.

Черниговский переулок.

Дмитрий Родзин много работает в жанре монументальной живописи. Его росписи находятся, в частности, в резиденции Президента Российской Федерации, Доме Приемов Президента Российской Федерации, резиденции премьер-министра Российской Федерации и Свято-Троицком Серафимо-Дивеевском женском монастыре.

Источники.

http://cleargallery.ru/gallery/open/aid-223

• Каковы мировые тенденции в искусстве акварели?
• Что ценят в акварели более всего?
• Кто является самым популярным художником в мире?

Пожалуй, лучше всего на этот вопрос ответит I Международный конкурс Акварели (The 1st World Watercolour Competition), проведенный популярным журналом “The Art of Watercolour”.

В конкурсе приняло участие 1615 художников. Было представлено 1891 акварель. Жюри отобрало сначала 295 полуфиналистов, а затем 23 финалиста. Призами победителей награждены 7 художников.

Работы всех участников напечатаны в каталоге конкурса.

И это дает замечательную возможность увидеть “лицо” – лучшие акварели 2014 года.

В первую очередь, просмотрев каталог, я увидела следующее:

Лучшие акварели мира: основные тенденции

Пейзажи, как всегда, в большинстве. Особенно городские. И если они как-то необычно поданы, то вполне могут оказаться в финале.

Как эта работа William Hook, художника из США:

Одной из самых популярнейших тем являются портреты стариков.

Хотелось бы думать, что это от всеобщей любви и уважения к пожилым людям, от интереса к их жизни от желания понять, чем они живут, увидеть отпечаток времени на их лицах.

Вот пара страничек каталога:

А может тема поднимается многими, поскольку художник является отражением общественного сознания. И часто художники отражают в своих картинах острые социальные проблемы…

Да, тема национальных меньшинств и эмигрантов, кстати, тоже частенько всплывает …

Как бы то ни было, среди 7 работ победителей две являются портретами стариков.

Первое место, победитель конкурса – Cheng-Wen Cheng, художник из Тайваня с картиной “Любящая мать”:

Серебряная медаль конкурса досталась китайскому художнику Guan Weixing за картину “Курящий старик”:

Вам уже интересно, кто получил Бронзовую медаль?..

На третьем месте – (радуйся Поднебесная!) китайский же художник Liu Yi. Полагаю, многие знакомы с его творчеством по композициям с балеринами.

На конкурсе была представлена работа “Китайская девушка”:

Не знаю, как вы, а я вижу в этом хороший знак. Восток и Запад становятся ближе друг другу. Восточные художники пишут в традиционной европейской манере, а европейцы, наоборот, изучают гохуа и суми-е, рисуют гейш и сакуры… Такие примеры в каталоге тоже есть.

Вот, например, акварель аргентинской художницы Stella Escalante:

Кстати, ещё одно наблюдение – ОЧЕНЬ мало акварелей с цветами . На весь каталог с более чем 1800 работами и 30 штук не наберется…

Причем большинство из них – во второй части каталога, “в шлаке”, как я это назвала. А как еще назвать отсеянных авторов, чьи акварели не прошли отбор в полуфинал? Шлак и есть.

Моя работа, кстати, тоже в этом ряду… 🙂 Вот пара этих “серых” страничек, открытых наугад:

На серых страничках, в большинстве своем встречаются какие-то любительские работы, с плохоньким рисунком и бедные по технике.

Однако, есть и очень хорошие, известных художников. Но жюри их не оценило.

Трудно было ему, жюри… Это ведь всегда вопрос – как судить? Что брать за мерило?

И если со слабым рисунком и композицией в целом все понятно, вопросов нет – сразу в шлак, то среди профессионалов уже приходится думать.

Что поставить во главу угла? Социально-значимые темы? Реализм? Новаторство в технике? Или, наоборот, верность традициям?

Безусловно, этими же вопросами задаются и художники. Участие в конкурсе – это возможность посмотреть на свое творчество со стороны. Кто я? Куда иду? Где я в ряду других художников? Интересно ли людям то, что интересно мне?

Именно эти вопросы сподвигли меня представить на конкурс акварели, которые не до конца понятны мне самой. Это энергетическая живопись. Работы, сохраняющие некую энерго-информационную составляющую.

Марина Трушникова. “Мир кристалла”

Я показывала эту акварель в блоге год назад. Возможно вы помните ту практику, которую я предлагала. Было очень много комментариев, давших мне понять, что люди сейчас более чувствительные в своем восприятии. И то, что мы называем абстракцией, может давать нам самые разные чувства и воспоминания.

К сожалению, со сменой сайта пропали и комментарии. Если хотите, опробуйте эту практику на себе, напишите свои впечатления. Это здесь:

А мы вернемся к “белым” и “черным” страницам каталога.

На белых размещены лучшие акварели – работы полуфиналистов. Приятно было увидеть там Константина Стерхова, Евгения Кисничана, Илью Ибряева.

А еще приятней было лицезреть в числе 23-х финалистов наших соотечественников Елену Базанову и Дмитрия Родзина.

Елена Базанова. “Конец зимы 2012. Яблоки”

Дмитрий Родзин. “Лето”

Как видите, большинство работ финалистов очень реалистичны .

Вот, например, акварель литовской художницы Egle Lipeikaite:

Или вот француз Georges Artaud, он получил приз в номинации “Лучший французский художник”:

Прямо-таки медитация на воду… Мне нравится. Всё приятней, чем смотреть на работы другого финалиста, американского художника Andrew Kish III.

Итак, некоторое время назад у нас состоялся разговор о восприятии картин в отрыве от имени художника, и всего того, что за именем стоит. Почитать о начале можно здесь
Сегодня я расскажу, кто есть кто.
Общие выводы из ваших комментов и опроса моих знакомых — качественный уровень картины видно сразу. Некоторую безуминку или странность тоже, но очень часто люди путаются, то ли это признак современного искусства, то ли просто нечто непонятное… Различить русского, китайского, европейского художника тоже оказалось сложным. Угадали единицы, да и то, в основном только потому, что узнали авторов картин.

Акварель №1
Английский художник — Уильям Тернер (1775-1851)
Он потрясающий.
Стоимость каждой его картины десятки миллионов фунтов стерлингов. Обязательно посмотрите его акварели, но не в интернете, а желательно хотя бы в бумажных репродукциях

Акварель №2
Питерский акварелист — Сергей Темерев.
Его журнал sergestus
Нашла случайно, когда искала в жж тех, кто рисует акварелью. Мне очень нравится его картины — и морские пейзажи, и очень необычные натюрморты. Мечтаю как-нибудь попасть на мастер-класс:))

Акварель №3
Константин Кузема. Современный питерских художник. 100 лучших акварелистов мира и все такое:) Про него сейчас очень много говорят, особенно те, кто учиться рисовать.
Сайт, на котором можно посмотреть другие работы или почитать полезные статьи про технику http://kuzema.my1.ru
Но лично я к его картинам отношусь глубоко равнодушно. Не трогает и все.

Акварель №4
Автор — Джозеф Збуквич (Joseph Branko Zbukvic). Родился в 1952 в Хорватии. Позже переехал в Австралию.
Один из самых признанных акварелистов в мире. Его картины и техника просто потрясают воображение. Можно написать его имя в гугле или яндексе и наслаждаться:)

Акварель №5

Это мой трехминутный эскиз, к этой последней акварели:

Где эскиз и где акварель?:) Мне просто хотелось кое-что проверить, и я прикинула композицию пока рисовала вместе с дочкой. Хотя самый популярный ответ был, что именно этот художник из Китая:) Вот они, мои восточные корни:))))) Эта работа совершенно неправильная, потому что всю акварельную краску я мешала с белилами, чтобы проверить, как это будет влиять на подтеки.

Акварель №6
Константин Стерхов.
Он интересен тем, что ведет крайне информативный блог про акварелистов, берет у них интервью без привязки к языковым и географическим барьерам. Живет в Питере, но иногда дает мастер-классы в Москве.
Блог http://sterkhovart.blogspot.ru/
Страница на фейсбуке

Пять художников — акварелистов для хорошего настроения | Живопись

Акварельные краски… Их тончайшее нанесение создает прочность и мягкость красочного слоя. Сама эта техника появилась после изобретения бумаги во II веке нашей эры Китаем. Затем ее переняли жители Страны Восходящего солнца, рисуя акварелью на всевозможных материалах, в том числе на дереве и шелке. И только через десять столетий живопись акварелью распространилась на Европейском континенте под видом фресок по сырой штукатурке.

Канал «Живопись» продолжает знакомить дорогого читателя с современными художниками, чьи работы вызывают восторг и эмоции радости в сердцах искушенных зрителей.

Подписывайтесь на канал, этим Вы помогаете его развитию!

Подписывайтесь на канал, этим Вы помогаете его развитию!

🎨 Мастер Ла Фе (Сатт Хомсават): ода розе.

Всегда восхищало сочетание несовместимого: беспримерный размах и величие Азии во всех ее проявлениях, включая искусство, и поразительный, медитативно-аскетический минимализм ее мастеров. Бесконечное в малом, как и прекрасное в неуловимом — вот авторский почерк мастера тайской школы акварели Сатта Хомсавата (La Fe). Всего лишь три интерферированных цвета — красный, синий, желтый, — столь любимые художником, совмещаются без участия предварительного карандашного наброска, накладываясь одним слоем на другой, в его прекрасных акварельных работах. Его излюбленной музой, дающей вдохновение для каждого нового шедевра, является роза. Единственный цветок, любование совершенством которого дает шанс проникновения в красоту мира. При этом мастер использует бумагу, предварительно смоченную в двух сторон водой. Такой прием позволяет ему получить оптическое смешение цвета, привнося импрессионизм в мир акварели.

Делитесь своими мнениями в комментариях, это важно!

Делитесь своими мнениями в комментариях, это важно!

С. Бордет, «Яблоки в саду» , акварель

С. Бордет, «Яблоки в саду» , акварель

🎨 Сьюзен Бордет: «райские» птицы

Интересно, как художник выбирает тему будущих работ? Хрупкая девушка Сьюзен Бордет свое творчество посвятила рисованию птиц, а начала осваивать технику акварели еще в двенадцатилетнем возрасте. Когда пришел час выбора профессии, она поступила в университет штата Орегон сразу на две специальности, став натуралистом и художником одновременно. О себе она рассказывает, что любит дикую природу и часами может наблюдать за маленькими поющими созданиями. Её интересуют движения чудесных существ, мистика полёта, неуловимая и стремительная. С помощью «волшебной» акварели Сьюзен показывает насколько совершенен и в тоже время тонок окружающий нас мир. Её «натурщицы» сидят на деревьях, но создается впечатление, что еще мгновение и вспорхнут с ветки, растворяясь в синеве неба едва заметными точками. Мастер совмещает в своих работах импрессионизм и реализм, используя приемы белых бликов, подчеркивающих красоту оперения птиц, а размытые цветовые пятна акварели задействует как основу фона.

Делитесь информацией в социальных сетях, спасибо!

Делитесь информацией в социальных сетях, спасибо!

Р.М. Пинчон, акварель

Р.М. Пинчон, акварель

🎨 Рейн Мари Пинчон: переливы красок

Художница Мари Пинчон — француженка по происхождению, почти парижанка и «королева» по первому имени, Рейн оправдывает его на все сто процентов. Высокое искусство утончённости, рождаемое линиями кисти, ощущается при первом же взгляде. Мари избрала источником своего вдохновения пейзажный мотив. Ее работы наполнены глубиной импрессионизма, совмещая в себе традиции одновременно европейской и восточной живописи. Ей семьдесят два года, но живая кипучая энергия мастера не дает проводить время в тишине и покое. Она много путешествует, пишет на пленере, продолжает радовать зрителя своими работами. Отличительной чертой акварелей Пинчон является крупная деталь на переднем плане, которую она прописывает тонкими линиями, общий фон же подается переливами цветовых пятен. С помощью такого приема автор позволяет зрителю ощутить в полной мере то время года, которое запечатлено на бумаге, а также задает настроение зрителя и взывает к его эмоциональному началу, концепции ощущения нашего прекрасного мира. Неослабевающий зрительский интерес к картинам Мари позволяет ей постоянно участвовать в выставках акварелистов как у себя на родине, так и за рубежом.

Благодарим за время, уделенное прочтению статьи.

Благодарим за время, уделенное прочтению статьи.

К. Картер, «Косяк рыб», акварель

К. Картер, «Косяк рыб», акварель

🎨 Кэрол Картер: «солнце, воздух и вода- вдохновенье навсегда!»

Уроженка солнечной Флориды художница Кэрол Картер с детства влюбленная в море, достигла удивительного мастерства в отображении вечного непостоянства этой стихии. Говоря об уникальной технике этого акварелиста, в первую очередь подразумевают неподражаемое сочетание нарочитой упрощенности с тщательной прорисовкой отдельных деталей композиции. И конечно же, нельзя не упомянуть то что буквально бросается в глаза зрителю: игра света и тени, с приданием изображению невероятного сочетания ярких насыщенных цветов, дающий эффект пронизывающего солнца.

О. Беляева, «На даче» , акварель

О. Беляева, «На даче» , акварель

🎨 Ольга Беляева: «Мне интересно все!»

Об этой нашей современнице известно мало, сколь много становится понятно, глядя на ее произведения. Круг ее художественных интересов выглядит необычайно широким. Героями ее работ становятся те люди, события, явления природы или даже просто аспекты повседневности, которые смогли взволновать утонченную душу живописца. От персонажей популярных кинолент и до парочки утонченно-романтичных японских красных журавлей повсюду ощущается потрясающее жизнелюбие, помноженное на незаурядное мастерство. Собирая информацию об Ольге Беляевой мы совершенно не удивились, что именно ей принадлежит авторство символа Всероссийской переписи 2010 года.

🎯 Автор: Лёля Городная. Поставьте «палец вверх» и подписывайтесь на канал. Спасибо! Сайт: nnart.site

Умиротворяющая акварель | World of Art

Лекарство для тех, кто устал от трэша и суеты.

В мире, где на нас ежедневно сваливаются тонны информационного мусора, иногда так хочется отрешиться от всего, вдохнуть полной грудью и остановить свой взгляд на чем-то спокойном, не вызывающем никакого раздражения и дискомфорта.
Мы в AdMe.ru считаем, что лучший отдых для ума и зрения — это погружение в мир искусства. В этом обзоре мы собрали такие работы акварелистов, которые наполнят вас тишиной и станут глотком свежего воздуха в жаркий городской день.

Путешествие в Париж с Тьерри Дювалем

Родившийся в Париже художник Тьерри Дюваль (Thierry Duval) много путешествовал. Отсюда и наличие целых серий картин «по географическому признаку». Тем не менее, любимым местом автора был и остается Париж. Львиная доля работ посвящена именно городу влюбленных. Дюваль пишет картины исключительно акварелью. При этом у него есть своя собственная техника многослойного нанесения краски, что позволяет создавать картины практически с гиперреалистичной детализацией.

Жаркий полдень Канта Харусаки

Канта Харусаки (Kanta Harusaki) — японский акварелист, родился в Кумамото, работать акварелью начал в возрасте 32 лет. Харусаки любит писать, используя «wet brush», но сохраняя правильность рисунка. Он умеет мастерски и достоверно передать прозрачнейший легкий цвет,а также свет и пространство. Зрители восхищаются умением художника передать чёткие контуры бликов и листвы, сочетая это с техникой «по-мокрому».

Живая вода Дэвида Драммонда

Дэвид Драммонд (David Drummond) — американский художник, 20 лет назад влюбившийся в пейзаж водохранилища Пауэлл. Теперь он не устает изучать каждый уголок этого удивительного места и запечатлевать его при помощи акварели. Драммонда интересуют разные состояниия воды, «настроение» природы и перемены в нем. Как обладатель ученой степени по физике, Драммонд со всей научной ответственностью подходит к творчеству, поэтому его акварели кажутся настолько живыми и реалистичными.

Деревенское утро Кристиана Гранью

Француз Кристиан Гранью (Christian Graniou) часто изображает на своих картинах провинциальные пейзажи. Несмотря на то, что детальная прорисовка его не привлекает, а свет оказывается распределенным по всему пространству, работы художника вызывают ощущения простора и заполненности воздухом.

Вечернее спокойствие Джозефа Збуквича

Сегодня австралиец хорватского происхождения Джозеф Збуквич (Joseph Zbukvic) считается одним из столпов акварельного рисунка во всем мире. Художник влюбился в акварель буквально с первого мазка, его поразила неприрученность и индивидуальность этой техники. Он считает, что она живет собственной жизнью. Ее невозможно изучить, не существует способа контролировать поведение акварели. Только объезжать, словно дикую лошадь. Причем ежедневно заново.

5 техник акварели, которым можно научиться у известных акварелистов

Изучите акварельные техники — для композиции, элементов дизайна и фокуса — известных акварелистов, таких как Уинслоу Гомер, Эндрю Уайет, Дж.М.В. Тернер, Джон Сингер Сарджент и Эдвард Хоппер. Изобретайте заново сцены, которые могут соперничать с любой имеющейся у вас референсной фотографией, и научитесь радоваться акварели, чтобы продолжать рисовать по-своему. Наслаждаться! — Кортни

1. Примите уникальную точку зрения, как Уинслоу Гомер

Стена, Нассау

Зимой 1885–1886 годов Уинслоу Гомер (1836–1910) во время отпуска в Нассау написал несколько замечательных акварелей.Этот багамский порт, известный своей красивой обстановкой и умеренным климатом, уже тогда был фешенебельным курортом. Но в своей акварели « Стена, Нассау » Гомер не дает зрителю классического вида открытки. Конечно, сцена наполнена пышными тропическими цветами и ярким карибским светом, но точка зрения очень необычная. Далекий от типичной живописной панорамы, Гомер загородил классический вид на береговую линию толстой серой стеной. Навязчивая стена не только доминирует над нижней половиной картины; он также прост и нетекстурирован.Вертикальное отверстие в прохладной тропической зелени и синеве кромки воды обеспечивает единственное облегчение. Но даже это приглашение в среднюю часть картины расположено неудобно далеко влево и уводит нас от главного фокуса: белого парусника.

Выполнение разрезов

Кроме того, Гомер разрезал картину пополам двумя очень четкими горизонтальными линиями. В данном случае Гомеру удается использовать такие нетрадиционные художественные приемы, потому что он создал интересные динамические напряжения и сильное чувство движения.Обратите внимание на штрихи тусклого оранжевого и красного цветов на стене, которые он использует, чтобы гармонизировать стену с более ярким красным в цветах наверху и создать решительную, но утонченную форму в правом нижнем углу, чтобы привлечь внимание к среднему плану. Игра пятнистого света на стене (пример великолепного использования Гомером белой бумаги) также искусно ведет взгляд через стену к центру. Небо и листва ведут взгляд слева направо, а яркие красные листья франжипани соединяют основные области картины, словно взрываясь фейерверком над толстой стеной.

Предшественник модернизма

Создавая основу для современной американской живописи, эта композиция имеет почти восточную простоту, подчеркивая напряжение и равновесие, создавая уникальную точку зрения. Многие считают акварели Гомера величайшим произведением искусства, когда-либо созданным в Америке. И его умение бросать вызов зрителю неудобным или не столь очевидным взглядом является одной из причин. Другой — его прямое и энергичное исполнение медиума. Он рисует очень обдуманно и с необычайным контролем, но добивается непринужденного вида.

2. Совершенствуйте свою композицию, как Эндрю Уайет

В своей знаменитой картине яичной темперой 1948 года, Мир Кристины , Эндрю Уайет дает нам превосходную демонстрацию своего искусного использования композиционных приемов. В этой картине он демонстрирует, что элементы дизайна не должны бросаться в глаза, чтобы быть эффективными. Иногда, на самом деле, они настолько незаметны, что ускользают от вашего внимания, если только кто-то не привлечет к ним ваше внимание. Если вы присмотритесь, то увидите две распущенные пряди волос, торчащие сбоку от головы Кристины.Эти два замка имеют форму изогнутых линий, которые перекликаются с соседней парой дорожек, ведущих в гору к дому. Справа вверху от подъездной дорожки есть забор, который снова перекликается с этими линиями. С левой стороны головы Кристины находится еще один пучок волос, форма которого также повторяется в других частях картины. Он повторяется в изогнутой линии в поле вверху слева от нее и снова — на этот раз наоборот — на противоположной стороне ее головы.

«Мир Кристины», Эндрю Уайет, яичная темпера

Женское тело, повтор

На этой картине также отражается полная форма — довольно незаметная, но чрезвычайно мощная.Форма женского тела абстрактно звучит в формах зданий на заднем плане. Это происходит в группе зданий в правом верхнем углу изображения. И вы снова найдете его в небольшом флигеле прямо над ней на вершине холма. По сути, здесь мы имеем органическую форму (тело женщины), которой вторят две геометрические фигуры. Это повторение форм не является ни случайным, ни случайным. Это произведение композиционного гения художника.Именно из этого инстинкта и состоит великое искусство.

Пейзаж и рисунок

Доминирующим элементом этой картины является кажущийся обширным и пустынным склон, который изолирует отчаявшуюся фигуру, распластавшуюся на земле. (Кристина Олсон, модель Уайета, не могла ходить.) Акцент, однако, делается на фигуру. Во-первых, глаз с гораздо большей вероятностью привлечет человеческая форма, чем здание. Сложная форма также скорее привлечет внимание, чем простая форма, а искривленное тело модели намного сложнее, чем что-либо еще в поле зрения.

линий для направления взгляда

В Мир Кристины мы также можем обнаружить умное использование Уайетом линий направления. В верхней части картины он использует диагональные линии, чтобы направить взгляд вглубь картины и к дому на холме, куда смотрит Кристина — и, предположительно, туда, где она хочет быть. Форма кажущейся запутанной фигуры полностью состоит из диагональных линий, которые обозначают переход и/или нестабильность. Здания на вершине холма, наоборот, являются стабилизирующими элементами, особенно тот, что справа (дом Кристины).Хотя их крыши наклонены, они более чем компенсируются вертикальными контурами стен зданий и дымоходов. Таким образом, конструкции кажутся достаточно прочными и крепкими. Это резко контрастирует с барахтающейся фигурой на поле ниже. Уайет также использовал здесь принцип точки обзора и перспективы в своих интересах. Нет сомнений, что фигура рядом с вами, а дом далеко. Этот длинный вид, который смотрит через нее и на далекий дом, подчеркивает ее состояние изоляции.И поскольку Уайет разместил нашу точку зрения позади Кристины, мы разделяем ее отчаяние, что усиливает психологическое воздействие картины.

Рисунок с красной драпировкой Джона Сингера Сарджента, акварель

3. Используйте прямой подход, как Джон Сингер Сарджент

«Жить с акварелями Сарджента — значит жить с солнечным светом, пойманным и удерживаемым», — сказал один из многочисленных биографов художника. Действительно, кажется, что акварели Джона Сингера Сарджента излучают свет. В Figure with Red Drapery все пространство вибрирует от бравурности его кисти.

Любовный роман

Нет сомнения, что Сарджент (1856-1925) любил акварель. С того момента, как он впервые изучил мастеров в музеях и полюбил живопись, он использовал акварель. Непосредственность этого взволновала его. И, как любой истинный мастер, он смог перенести освоенные им акварельные техники на любой другой материал, который он пробовал. Сарджент сказал, что с простой жестяной коробкой с красками для сковородок он «извлечет максимум пользы из чрезвычайной ситуации».

Пути Сарджента

Его процесс был прост: сначала он слегка увлажнил бумагу краской, оставив некоторые участки нетронутыми.Затем нагруженной кистью он начал артикулировать форму фигуры и заряжать красную ткань сочным, насыщенным цветом. Он никогда не обрисовывал объекты на столь ранней стадии — бумага была еще слишком влажной, чтобы получить четкие края. Вместо этого он придал фигуре форму, придав каждой части тела очевидные формы средних и темных теней, при этом искусно оставив самые светлые области нетронутыми. Он рисовал темную сторону фигуры вместе с областью, окружающей фигуру, везде, где значение было одинаковым.Когда бумага начинала сохнуть, он использовал темные мазки краски и подчеркивал края, чтобы определить формы и показать свет.

Великий художник, великий рисовальщик

Судя по его уверенной работе кистью, Сарджент был превосходным рисовальщиком, что стало результатом многолетней постоянной практики. Друг художника Адриан Стоукс, наблюдая за ним, отмечал: «Когда однажды устроился… быстрота и прямота, с которой он работал, были поразительны… Его рука, казалось, двигалась с такой же ловкостью, как при игре на клавишах фортепиано… Это был своего рода стенографии, но это было волшебно.

4. Совместите настоящее и романтическое, как J.M.W. Тернер

Эпоха Просвещения 18-го века ознаменовала собой время, когда ученые и художники одинаково были поглощены важностью наблюдения и изучения. Джон Раскин, великий английский писатель и искусствовед того времени, писал, что J.M.W. Тернер (1775-1851) «обычно ходил по городу с рулоном тонкой бумаги в кармане и делал несколько царапин на одном или двух листах, которые были таким стенографическим указанием всего, что он хотел запомнить.Придя вечером в свою гостиницу, он быстро закончил карандаш и добавил столько красок, сколько было необходимо, чтобы записать его план картины».

Наблюдаемый пожар

Когда 16 октября 1834 года здание лондонского парламента охватило пламя, Тернер находился в открытом море на весельной лодке, быстро записывая драматическую сцену в свой карманный альбом для рисования. Он так быстро переворачивал страницы, чтобы запечатлеть сцену с разных точек зрения, что на оборотной стороне каждой акварели осталось пятно от предыдущей.Безусловно, Тернер находился под влиянием эпохи Просвещения, но он также был продуктом эпохи романтизма (1789-1837 гг.), времени, когда искусство и наука были неразрывно связаны. Как и другие художники-романтики, его интересовали не только наблюдения, но и эмоции. Его сюжеты часто имели символический подтекст, а его манера письма была столь же субъективной, сколь и объективной. Когда Тернер рисовал этот великий памятник в огне, он сосредоточился не на деталях. Он рисовал ярость сил природы. В его руках огонь, вода и затянутое дымом небо превратились в апокалиптическое событие.Когда вы посмотрите на серию зарисовок пожара, которые он сделал на месте, вы увидите, где он буквально атаковал бумагу яростными мазками. А в «Сожжение палат парламента », исследовании, проведенном годом позже, Тернер все еще исследует тему ярости природы и развивает ее в более богатых и сложных версиях. На самом деле Тернер был настолько увлечен этой темой, что рисовал ее снова и снова как акварелью, так и маслом.

Мансардная крыша Эдварда Хоппера, акварель
Статья предоставлена ​​Тиной Таммаро и Бутчем Кригером.

5. Изучайте свет, как Эдвард Хоппер

Эдвард Хоппер (1882–1967) начал свою художественную карьеру в качестве коммерческого иллюстратора. О своем опыте он говорит: «Меня всегда интересовала архитектура, но редакторы хотели, чтобы люди махали руками. Может быть, я не очень человек. Я хотел нарисовать солнечный свет на стене дома». В Мансардная крыша он рисовал архитектуру по-своему. Он передал форму с помощью драмы света, наполнив почти всю композицию этой крупной поразительной структурой.Хоппер расписал дом во время одного из своих многочисленных летних визитов в Глостер, штат Массачусетс, на мыс Энн. Самая восточная точка Соединенных Штатов, мыс Энн, часто бывает очень ветреным местом. В результате Хоппер часто рисовал сцены, подобные этой, изнутри своей машины. Поскольку Глостер — старый город, большинство домов расположены близко друг к другу и очень близко к улице. Обрезка этого изображения показывает, как мы воспринимаем дом, когда проходим мимо него или проезжаем мимо него.

Смотри, рисуй

Хоппер обычно рисовал свои акварели на натуре.Для него запечатление уникальности конкретного дня было его истинной темой. В Мансардная крыша он преуменьшил отдельные черты здания, поэтому погода, время года, ветер, свет и тень, движение навесов и игра теплого и холодного света доминировали над сценой. Обратите внимание на прикосновения теплого желтого, которые окрашивают освещенную солнцем сторону здания и смешиваются с прохладными пурпурными тенями, нарисованными как штрихи игривых, движущихся форм, которые танцуют на сложных поверхностях этого дома.Мастер сохранения белого цвета бумаги, Хоппер часто начинал свои акварели с легкого карандашного наброска, но всегда импровизировал по мере развития картины. Тем не менее, он никогда не упускал из виду свою цель — включить только те элементы, которые ему были нужны, чтобы уловить подробности момента времени.

От наскальных рисунков к модернистам: История акварельной живописи

Акварельная живопись — это особая среда, объединяющая миры живописи и рисунка для создания уникальной формы искусства.Краски состоят из пигментов, взвешенных в водорастворимой среде, и их можно наносить на все, от бумаги до холста, от дерева до ткани. Что делает акварельную живопись такой уникальной, так это ее неумолимый характер; линии, цвета и формы должны быть нанесены идеально с первого раза, так как любая попытка закрасить просто искажает весь эффект. Акварель доминировала в азиатском искусстве и до сих пор, но она также занимала видное место в истории западного искусства.

Ранние примеры акварельной живописи

Чтобы найти корни акварельной живописи, вам придется отправиться далеко в прошлое, во времена, когда доисторические люди в эпоху палеолита раскрашивали стены своих пещер смесью охры, древесного угля и других природных пигментов. .Акварелью также рисовали на папирусе и использовали в египетских формах искусства. В Азии традиционная китайская живопись акварелью развивалась около 4000 г. до н.э., прежде всего как декоративное средство, а к I веку н.э. искусство росписи религиозных фресок утвердилось. К 4 веку пейзажная акварель в Азии зарекомендовала себя как самостоятельный вид искусства.

Достижения в области акварельной живописи в 15-м и 16-м веках

Акварельная живопись возникла в Европе в эпоху Возрождения вместе с достижениями в производстве бумаги.В то время как ранние европейские художники готовили свои собственные акварельные смеси для фресковой росписи стен, вскоре они были применены к бумаге. С увеличением доступности синтетических пигментов гравер и художник эпохи Возрождения Альбрехт Дюрер (1471–1528) разработал новые методы работы с акварельными красками, подчеркнув предлагаемые ими светящиеся и прозрачные эффекты и вдохновив других художников на эксперименты. Эту тенденцию подхватил Ганс Бол (1534–1593), основавший важную школу акварельной живописи в Германии в рамках эпохи Возрождения Дюрера.Однако, несмотря на эти усилия, среда оставалась в значительной степени изолированной от подготовительных набросков, за исключением школ ботанической иллюстрации и иллюстрации дикой природы, где ее поразительный эффект мог придать реалистичный вид естественным предметам. Акварельные краски также были популярны для создания карт и считались особенно эффективными для отображения топографии местности.

Английское движение акварелистов и его влияние на современное искусство

Акварельная живопись действительно закрепилась в западном искусстве в XVIII веке, особенно в Англии, где Пол Сэндби (1730–1809), английский картограф, ставший художником (и одним из основатели Королевской академии), использовал столь популярные акварельные краски при создании карт для своих пейзажных картин.Именно в это время акварель утвердилась как серьезное и выразительное художественное средство. Возглавлял это движение J.M.W. Тернер (1775–1851), технический новатор и художник-пейзажист-романтик, экспериментировавший с доступными синтетическими минеральными пигментами. Вдохновленный работами акварелиста Томаса Гиртина, который первым использовал его для крупноформатных, романтических или живописных пейзажей, Тернер исследовал как выразительную природу, так и технические аспекты среды. К середине 1800-х годов в английском художественном обществе образовались Общество художников-акварелистов (1804 г.) и Новое общество акварелистов (1832 г.).

Уникальные эффекты света и более свободной кисти, созданные английской школой акварельной живописи, привлекли внимание ранних импрессионистов и повлияли на их творчество. В 19-м и 20-м веках акварель стала средством, используемым многими выдающимися художниками. Конечно, Джон Джеймс Одюбон особенно использовал акварель для документирования своих объектов дикой природы, но другие художники, известные другими средствами, такими как масляная живопись, также работали с акварелью. Американский художник Уинслоу Хомер использовал акварельные краски, чтобы исследовать красоту мира природы.Поль Сезанн использовал технику перекрывающихся акварельных мазков в некоторых своих натюрмортах, а Винсент Ван Гог использовал технику акварели для создания замечательных художественных форм. Немецкий художник-абстракционист Василий Кандинский и швейцарский модернист Пауль Клее являются известными акварелистами 20-го века, что свидетельствует о том, что и в современную эпоху акварель ценится художниками независимо от их национальности или направления.

В 21 веке художники использовали эту уникальную среду для создания поразительных произведений искусства.Прежде всего, акварельная живопись универсальна, попеременно предлагая богатые, яркие тона или мягкие, успокаивающие формы. Взгляните на акварельные картины, представленные в онлайн-галереях Agora, и вы убедитесь в разнообразии и красоте акварели.

Эта статья была написана для ARTmine Лаурой Монро.

7 техник акварели, которые необходимо знать начинающим

Келли Эддингтон предлагает простое руководство по 7 широко используемым акварельным техникам: 4 техники нанесения и 3 техники заливки (спасибо, Келли!).Вот краткое изложение основных моментов всего урока по акварели.

Используемые материалы:

• Карандаш HB
• Открытка (4¼” x 5 ¹ ⁄ ₂ ”)
• 4 листа акварельной бумаги Arches для холодного прессования весом 140 фунтов (около 14 x 10 дюймов)
• Лента из крафт-бумаги (ширина 1″)
• Палитра для акварели
• Емкость с водой
• Бумажные полотенца
• Картон (не менее 16″ x 12″)

Краски Old Holland Classic Watercolors

• Синий ультрамарин
• Берлинская лазурь
• Лазурно-голубой
• Ализарин малиновый
• Кадмий желтый средний
• Постоянный зеленый свет
• Кадмий красный светлый
• Сепия
• Диоксазин лиловый
• Бирюза (Winsor & Newton Cotman Watercolors)
• Opera (автор Holbein Artist Materials Watercolors)

Щетки

• Sax: медная акриловая плоская кисть с деревянной ручкой (размер 10)
• Royal: Овальная кисть из золотистого таклона с мягкой накладкой
• Loew Cornell American Painter (серия 4000): круглая кисть с короткой ручкой (размер 6)
• Loew Cornell American Painter (серия 4000): круглая кисть с короткой ручкой (размер 2)

---

Шаг 1. Подготовка к занятиям акварелью

Для начала подготовьте 4 листа акварельной бумаги Arches, обведя открытку так, чтобы получилось 8 одинаковых прямоугольников, по 2 на листе.Затем используйте бумажную ленту, чтобы приклеить края первого листа бумаги к куску картона. Вы также можете пометить каждый прямоугольник после каждой техники, использованной в этом уроке.

Первый метод – это нанесение мокрым по мокрому , при котором достигается очень плавный и непредсказуемый эффект. Плоской кистью Sax намочите первый прямоугольник на акварельной бумаге чистой водой (но не так сильно, чтобы начали образовываться лужи). Затем, смешав небольшое количество воды с краской, нанесите на влажную поверхность различные синие краски (ультрамарин, берлинскую, лазурно-голубую и бирюзовую), используя влажную кисть.Вы можете поэкспериментировать с разными цветами, если хотите. Это хорошая техника для покрытия больших областей неба или областей, где вам нужен мягкий подмалевок (например, первый слой краски). Когда вы закончите добавлять всю краску, которую хотите, вы можете наклонить доску, чтобы краска смешивалась и растекалась.

---

Шаг 2: Акварель по мокрому по сухому

Следующим методом является метод мокрого по сухому. Смешайте краску Cadmium Red Light, Magenta и Opera с небольшим количеством воды, затем начните рисовать прямо на сухой поверхности другого прямоугольника.Этот метод позволяет лучше контролировать, куда наносится краска, и, хотя края краски могут все еще размываться, когда она касается другой области краски, она не выцветает и не растекается так сильно, как техника «мокрым по мокрому».

Когда вы закончите, подождите, пока краска высохнет, затем снимите бумагу с картона, прежде чем приклеивать следующий лист.

---

Шаг 3. Техника рисования акварелью по сухому

Техника «сухое на сухое» также известна как техника сухой кисти.Как следует из названия, используйте минимальное количество воды при наборе ализариновой малиновой краски овальной моющей кистью Royal, затем еще больше высушите ее на листе бумажного полотенца, прежде чем легкими движениями нанести на бумагу. Эта техника хороша для создания шероховатой текстуры или мерцающего водоема. Вы можете варьировать давление на кисть, а также использовать кисти разных форм и размеров для достижения разных результатов. Так как это сухая техника, краска практически остается такой же, как и при ее нанесении; он не исчезнет и не кровоточит.

---

Шаг 4. Техника рисования сухим по мокрому

Последней из техник нанесения, как вы, наверное, уже догадались, является техника «сухое по мокрому» . В следующую прямоугольную коробку нанесите смесь Cerulean Blue и умеренного количества воды и покройте всю коробку плоской кистью. Затем переключитесь на круглую кисть (размер 6) и смешайте Cadmium Yellow Medium, Sepia, Cadmium Red Light и Dioxazine Mauve с небольшим количеством воды и промокните лишнюю воду бумажным полотенцем.Начинайте рисовать в коробке, пока синяя краска еще мокрая. Поскольку краска на кисти не очень влажная, вы заметите, что, хотя края слегка размыты, вы все равно можете контролировать, куда ложится краска. Если вы хотите уменьшить растекание, вы можете немного подождать, пока бумага немного подсохнет, прежде чем рисовать сверху. Келли сравнивает эту технику с распылением из-за «нечеткой» текстуры.

---

Шаг 5. Техника плоской заливки акварелью

Смените бумагу, затем приступайте к первой из различных техник стирки.Размывка — это тонкий разбавленный слой краски, наносимый на большую площадь, часто используемый для подмалевка или для нанесения основных цветов на картину. Этот первый называется плоской заливкой , когда вы смачиваете прямоугольную коробку чистой водой, а затем наносите влажную краску — почти точно так же, как техника «мокрым по мокрому», но здесь вам нужен гладкий, ровный слой. цвета. Используйте свою самую большую плоскую кисть, чтобы помочь, и рисуйте в одном направлении, чтобы получить наилучшие результаты. Вы также можете наклонить доску, чтобы выровнять краску.Келли использует для этого краску Permanent Green Light, но подойдет и любой цвет. Старайтесь, чтобы консистенция краски, которую вы смешиваете, оставалась неизменной, или, чтобы не смешивать ее несколько раз, подготовьте большую партию цвета, который вы хотите использовать, прежде чем наносить его на бумагу. И помните, когда вы закончите стирку, оставьте ее сохнуть, так как если вы вернетесь, чтобы изменить ее, или слишком затянется, стирка станет неравномерной.

---

Шаг 6. Техника градиентной заливки акварелью

Следующая техника заливки называется градиентной заливкой , также известной как эффект омбре.Чтобы добиться этого самым простым способом, используйте плоскую кисть, чтобы смочить бумагу чистой водой, затем наполните кисть бирюзовой краской — не слишком много, иначе вы можете получить сгустки краски в вашей кисти, но достаточно, чтобы пропитать кисть краской. краска. Затем приподнимите заднюю часть доски так, чтобы она была наклонена к вам, и, начиная с верхнего левого угла, рисуйте одиночными равномерными штрихами слева направо, продвигаясь вниз по мере продвижения. Дайте краске исчезнуть к низу. Гравитация также должна помочь тянуть краску вниз, чтобы получить мягкую, однородную смывку.

---

Шаг 7. Техника пестрой заливки акварелью

Смените бумагу для последней техники. Техника variegated Wash хороша для подкрашивания слоев и рисования неба или водных поверхностей. Как и в технике нанесения «мокрым по мокрому», вы смачиваете поверхность слоем чистой воды, а затем начинаете наносить краску.

Келли использует краски «Желтый кадмий средний», «Синий ультрамарин» и «Сепия» по отдельности и наносит их на влажную поверхность.Краска может быть немного более насыщенной, так как цвета имеют тенденцию к большему выцветанию при использовании техники «мокрым по мокрому». Опять же, вы можете наклонять доску, но старайтесь не смешивать краски слишком сильно, иначе у вас получится грязная лужа. Вы можете поэкспериментировать с разными цветами и найти свои любимые сочетания.

И, наконец, продолжайте практиковаться и допускайте несчастные случаи, так как лучшие результаты достигаются за счет случайного движения воды и краски. Вот видео Келли, если вы также хотите посмотреть этот урок по акварели…

Легких упражнений по акварели для начинающих

РАЗМИНКА К АКВАРЕЛИ…

Если вы новичок в акварели, скорее всего, вы чувствуете себя немного ошеломленным.Какие расходные материалы вам нужны, с чего начать и как вообще рисовать этой очаровательной краской? Иногда это может показаться сложным, но это похоже на упражнения или бег — вы должны начать с основ и продвигаться вперед. Итак, сегодня я поделюсь с вами пятью простыми акварельными упражнениями для начинающих, которые помогут вам настроиться на рисование.

ПЯТЬ ОСНОВНЫХ АКВАРЕЛЬНЫХ УПРАЖНЕНИЙ

1. СООТНОШЕНИЕ КРАСКИ / ЗНАЧЕНИЯ

Еще до того, как вы нанесете краску на бумагу, самая первая задача, которую мы должны решить, — это смешать соотношение воды и краски.Акварель — это все о значениях — или о разбавлении цветов водой, чтобы создать шкалу от темного к светлому.

КАК СМЕШИВАТЬ КРАСКИ…

Я рекомендую начать с красок в тюбиках, так как это легче объяснить, чем краски для банок или акварельные концентраты. Начните с того, что выдавите каплю краски на палитру, а затем добавьте воды, пока она не будет легко скользить по поверхности. Это то, что я считаю соотношением красок для чернил и самой темной версией соотношений красок, которые вы будете использовать в акварели.Медленно добавляйте воду в краску и наблюдайте, как цвет становится более разбавленным и прозрачным. Кроме того, обратите внимание, как краска скользит намного легче; чем больше воды вы добавляете.

Как только вы научитесь смешивать цвета на палитре, попробуйте нарисовать шкалу значений одного цвета, переходя от консистенции чернил к очень водянистой или оттеночной консистенции на бумаге. На мой взгляд, это первый ключ к тому, чтобы по-настоящему понять акварель.

Масштаб окраски от темного к светлому

2.ВЛАЖНОЕ ПО СУХОМУ И ВЛАЖНОЕ ПО ВЛАЖНОМУ

В мире акварели существует три разных способа нанесения краски на нашу страницу: мокрым по сухому, мокрым по мокрому и сухой кистью. Сегодня я расскажу только о двух основных техниках нанесения акварели — «мокрым по сухому» и «мокрым по мокрому».

КАК КРАСИТЬ ПО СУХОМУ ПО ВЛАЖНОМУ…

Wet on Dry берет влажную краску и наносит ее на сухую бумагу. Этот метод дает вам максимальный контроль при работе с акварелью.Убедитесь, что когда вы рисуете этим методом, ваша краска скользит по поверхности бумаги и не слипается. Если ваша краска вязкая – скорее всего, у вас недостаточно воды, и вам нужно немного разбавить ее, пока вы не добьетесь гладкой консистенции, похожей на чернила, или даже более разбавленного состояния.

КАК КРАСИТЬ МОРЫМ ПО МОКРОМУ…

Wet on Wet берет влажную краску и наносит ее на влажную бумагу. Этот метод дает вам наименьший контроль при работе с акварелью, но также дает ощущение свободы и воздушности.Когда рисуете мокрым по мокрому, убедитесь, что вы не используете слишком много краски на бумаге. В верхней части страницы должен быть легкий блеск, позволяющий краске быстро и беспорядочно перемещаться в воде. Если у вас слишком много воды, ваша краска будет выталкиваться наружу к краю, когда она высохнет. Создайте линию цвета вдоль внешней стороны фигуры.

3. ПЛОСКИЕ ПРОМЫВКИ И ГРАДИЕНТНЫЕ ПРОМЫВКИ

Теперь, когда вы знаете, как наносить краску на бумагу, пришло время попробовать некоторые базовые акварельные смывки, в частности Flat Wash и Gradient Wash.

КАК ПОКРАСИТЬ ПЛОСКУЮ МАШИНУ…

Плоские стирки довольно просты, как только вы освоите их. Самый простой способ нарисовать плоскую заливку — слегка наклонить бумагу под углом 45 градусов либо с помощью мольберта, либо с помощью полотенец, подпертых бумагой. Затем плоской кистью — начните с верхней части страницы и медленно двигайтесь вниз из стороны в сторону — медленно проталкивайте краску вниз. Поскольку наша доска наклонена, гравитация будет вашим другом, когда вы будете двигать краску вниз. Как только вы освоите это на сухой бумаге, поменяйте местами и попробуйте нарисовать это на влажной бумаге.

Плоские заливки на мольберте

КАК РИСОВАТЬ ГРАДИЕНТНУЮ ЗАГРУЗКУ…

Градиентная заливка может оказаться сложной, особенно при работе с двумя цветами. Самый простой способ нарисовать градиентную заливку — снова слегка наклонить бумагу под углом 45 градусов либо с помощью мольберта, либо с помощью полотенец, подпертых бумагой. Затем круглой кистью смешайте начальный цвет, промежуточный цвет и конечный цвет на палитре.

Затем начните с верхней части страницы и медленно двигайтесь вниз из стороны в сторону, медленно продвигая первый цвет вниз примерно на одну треть пути.Затем с помощью кисти возьмите промежуточный цвет и добавьте этот новый цвет к капельке или водянистому краю вашей заливки. Позвольте цветам смешаться вместе, прежде чем снова нажать вниз.

Наконец, когда вы достигли двух третей секции, возьмите последний цвет и еще раз добавьте его к капельке или водянистому краю вашей заливки, дав ему смешаться с предыдущим цветом, прежде чем нажимать вниз и заканчивать градиент.

Градиентная заливка на мольберте

4.ИССЛЕДОВАНИЕ ЦВЕТА / РАЗНОЦВЕТНЫЕ ОТТЕНКИ

Это должно быть мое самое любимое упражнение из всех, о которых я сегодня упоминаю, и это выбор цвета! Честно говоря, существуют сотни различных способов изучения образцов цвета. Сегодня я покажу вам свободный и грязный метод (он же забавный) подмигивания.

КАК ПОКРАСИТЬ РАЗНОЦВЕТНЫЕ РАЗМЫВКИ…

Что касается меня, то мне нравится исследовать цвет с определенной целью. Например, цвета ночного неба или темно-зеленые оттенки. Затем я обычно наношу один цвет на бумагу, а второй кистью наношу второй цвет прямо рядом с ним, позволяя им смешаться на странице.Технически — это можно назвать разношерстной стиркой — и это самая веселая и легкая стирка из трех.

Нет никаких правил, когда дело касается этой стирки, кроме того, чтобы не перегружать бумагу слишком большим количеством воды. Помните, что вы всегда можете удалить лишнюю воду салфеткой или даже добавить воду кистью поверх краски, которая кажется застоявшейся на странице. Смысл исследования цвета в том, чтобы позволить краске делать то, что она хочет, и вы просто в пути.

Исследование цвета для картины неба

5.ДОБАВЛЕНИЕ ТЕКСТУРЫ

И, наконец, последнее упражнение — добавление текстуры к вашим картинам. Это делается несколькими способами — солью, полиэтиленовой пленкой, спиртом, даже чернилами и акриловыми красками. Мой любимый метод добавления текстуры к картинам — это техника разбрызгивания с использованием зубной щетки и радужной среды, которая добавляет немного блеска любой картине.

Радужная среда Winsor and Newton используется в технике разбрызгивания.

И все! Практикуйте эти основы и исследуйте свои цвета во время рисования.И в качестве бонуса — если одна из ваших пестрых заливок превратилась в великолепный фон — попробуйте добавить к ней сцену, как я сделал здесь? Еще раз спасибо, и наслаждайтесь!

пестрые картины с размытым фоном

Акварельная живопись для начинающих 101

Как партнер Amazon я зарабатываю на соответствующих покупках. Спасибо за Вашу поддержку!

Рисование акварелью может быть очень увлекательным, а может и очень разочаровывающим!

Если вы когда-либо боролись с использованием акварели, сегодняшняя статья посвящена тому, как рисовать акварелью, а также всем советам и хитростям, которые я хотел бы знать, когда только начинал!

Рисование акварелью не должно быть сложным!

Немного неловко в этом признаваться, но когда-то я действительно с трудом пытался рисовать акварелью.Я рисовала акварелью всю свою жизнь, но мне все равно казалось, что все, что я создала, выглядело так, как будто это сделал маленький ребенок.

Мои цвета выглядели мутными. Я не мог управлять кистью так, как хотел. Мои фотографии выглядели плоскими, и ничто не имело глубины или размера. Любые попытки слежки заканчивались катастрофой.

Что я делал не так?  Ну, как оказалось, я многое делал неправильно!

Существует МНОЖЕСТВО маленьких хитростей, которые НАМНОГО облегчают понимание того, как хорошо рисовать акварелью, и многие люди склонны забывать упоминать эти детали в большинстве уроков, потому что они такие простые и очевидные, если только вы не мне, конечно!

Если вы вообще похожи на меня, очевидное не всегда очевидно .{Возможно, я мог бы стать гостем шоу «Мистер Очевидность» из-за стольких вещей в моей жизни, к сожалению!} Есть некоторые вещи, которые я просто не думаю делать!

Я склонен делать вещи намного сложнее, чем они должны быть на самом деле, и это только усилит разочарование! К счастью, есть много вещей, которые вы можете сделать, чтобы сделать это намного проще и намного веселее.

Надеюсь, что сегодня, прочитав это, вы сможете избежать многих ошибок, которые раньше совершал я, и акварель будет приносить вам больше удовольствия!

---

Шаг 1. Сбор материалов для рисования акварелью

Для начала вам нужно собрать некоторые основные материалы.К счастью, большинство из этих вещей очень легко найти — вы можете приобрести их в большинстве художественных магазинов или, конечно, вы можете заказать их и другие отобранные вручную творческие вкусности на нашей странице магазина Amazon!

К счастью, для начала вам не нужно много — и большинство вещей у вас уже есть или вы сможете получить очень легко и недорого!

Первое, что нам понадобится, конечно же, это акварельные краски и немного бумаги!

Типы акварельных красок и бумаги

Краски обычно поставляются либо в тюбиках, либо в кюветах.Я большой поклонник этого полевого набора Sakura Koi — он идеально подходит для путешествий и имеет хороший выбор цветов. Вы также можете использовать акварельные краски в тюбиках с палитрой, например, этот набор акварельных красок от Ohuhu.

Следующее, что важно, это тип бумаги, которую вы используете. Для рисования акварелью требуется много воды, поэтому обычная стандартная копировальная или рисовальная бумага не выдержит большого количества воды!

Я рекомендую использовать бумагу, специально предназначенную для акварели, потому что она лучше впитывает.Эта бумага обычно имеет вес 140 фунтов/300 г или выше. Акварельная бумага бывает двух видов: холодного отжима, которая имеет приятную текстуру, и горячего отжима, которая немного более гладкая.

Я часто использую акварельную бумагу Canson — и я обнаружил, что на Amazon часто есть блокнот из 30 листов по отличной цене! Strathmore — еще один хороший бренд, и, конечно, если вы хотите работать в журнале или блокноте, я всегда люблю хороший акварельный блокнот Moleskine!

Если вы собираетесь покупать акварельные принадлежности, я определенно рекомендую делать покупки на Amazon — это лучший способ получить хорошие цены и гораздо больший выбор, чем в обычном розничном магазине товаров для рукоделия.Покупайте мои избранные товары на Amazon здесь.

Последнее обновление: 21 января 2022 г., 23:07

Самое важное, что вам нужно: 2 отдельные банки с водой

Не знаю, почему мне понадобилось 20 с лишним лет, чтобы научиться этому. Только когда я был на творческой встрече с некоторыми из моих друзей-художников, я научился делать это, и я заметил, что один из моих друзей, который является профессиональным художником-акварелистом, использовал две банки вместо одной!

Итак, да, если вы хотите мгновенно стать более «профи» в своей акварели — используйте ДВЕ баночки с водой!

Таким образом, у вас есть одна баночка специально для ополаскивания кистей, а затем баночка специально для чистой воды, которую можно использовать для рисования и смешивания красок.

Так гениально и так просто!

Таким образом, вы не будете постоянно менять воду – И ваши цвета будут намного более четкими и четкими – это необходимо, если вы работаете с более светлыми оттенками желтого, оранжевого и зеленого!

Серьезно, я никогда, никогда за миллион лет не догадался бы сделать это, и это так просто! Две отдельные банки с водой!

Другие принадлежности для акварели, которые вам понадобятся:

Кисти для акварели хорошего качества : существует множество различных типов кистей для акварели.Хорошо иметь набор, который предлагает большую плоскую кисть для мытья и больших площадей, а также хороший ассортимент круглых кистей разных размеров.

Круглые кисти действительно хорошо подходят для большинства акварельных работ из-за того, что они удерживают воду и распределяют краску. Если вы планируете прорисовывать много деталей, вам понадобятся очень тонкие кисти, которые подходят для небольших линий и даже для письма от руки и акварельных надписей.

Полотенца: Также неплохо иметь полотенца поблизости и под рукой.Их можно использовать для удаления лишней воды и краски. Их также полезно иметь на случай разлива или если вы случайно использовали больше воды, чем хотели.

Вы можете использовать любое старое полотенце или ткань, которую не жалко испачкать, или, конечно, всегда можно использовать бумажные полотенца или даже салфетки.

Скотч Washi или малярный скотч: Вот еще один замечательный трюк, который я усвоил, наблюдая за тем же гениальным другом, который целый день использует две банки с водной краской: приклейте бумагу скотчем к столу!

Лента Washi

и малярная/малярная лента обычно работают очень хорошо, потому что они не повреждают поверхность.Заклеенная бумага поможет предотвратить образование складок. Если вы когда-либо использовали акварель, после которой остались морщины, это вам ТОННУ поможет.

К счастью, у меня есть замечательная одержимость лентой васи {Посмотрите мои любимые здесь!} — и поэтому в моем доме всегда есть много ленты, которую можно использовать для этой цели.

Теперь, когда все припасы собраны, приступим к следующему шагу!

Шаг 2. Изучите основы техники акварельной живописи

Есть несколько различных техник, которые значительно облегчают рисование акварелью.Изучение основ того, как краски работают на бумаге и как использовать кисти, может иметь большое значение.

Как работают акварели

Акварельные краски обычно полупрозрачны, что означает, что вы можете видеть сквозь них. Чем больше воды вы используете, тем более прозрачными они будут. Если вы почти не используете воду, ваши краски будут более непрозрачными.

Большинство высококачественных акварелей содержат более насыщенный пигмент, поэтому при их смешивании можно использовать много воды.Также полезно знать, что акварельные краски обычно после высыхания намного светлее, чем кажутся мокрыми.

Советы по смешиванию красок с водой

Проще всего смешивать краски, используя палитру, тарелку или даже в крышке кастрюли с акварелью. Вам просто нужно добавить немного воды в лотки или бит, который вы выжали, и немного перемешать кистью.

Если вода вообще скапливается на бумаге, у вас, как правило, слишком много воды — если, конечно, это не является частью желаемого эффекта, которого вы добиваетесь! Когда вода скапливается, у вас будет меньше контроля над тем, куда краска может течь!

Потребуется немного практики, но вскоре вы сможете сказать, когда на кисти слишком много или слишком мало краски.Если его слишком много, просто промокните его немного полотенцем, прежде чем наносить на бумагу.

При смешивании цветов рекомендуется сначала потренироваться с бумагой для набросков, просто чтобы понять, как цвета будут смешиваться.

Создание таблицы цветов

Часть удовольствия от акварели заключается в использовании всех цветов! Что-то, что является отличным способом попрактиковаться, сколько воды и сколько краски нужно использовать вместе, — это составить цветовую диаграмму.

Таблицы цветов не только красивы, но и дадут вам хорошее представление о том, как будет выглядеть каждый цвет в зависимости от коэффициента разбавления водой, и как он будет выглядеть после высыхания, поскольку при высыхании он может быть светлее, чем первоначально кажется во влажном состоянии.

---

Шаг 3. Отработайте 5 основных приемов акварели

Существует два основных способа рисования акварелью. Мокрый по мокрому и мокрый по сухому. Оба имеют разное применение, и да, вы даже можете использовать их вместе!

В дополнение к этим двум основным методам нанесения краски на бумагу существует еще несколько методов, которые можно использовать для получения отличных результатов.

Сегодня мы рассмотрим эти 5 основных базовых техник акварели для начинающих:

• Мокрый по мокрому
• Влажное по сухому
• Наслоение и смешивание с помощью акварели
• Изготовление меток
• Подъем краски

Если вы попрактикуетесь в этих 5 основных принципах, вы будете готовы делать акварелью практически все, как профессионал!

Основы акварели №1: Техника рисования мокрым по мокрому

С помощью этой техники вы сначала смываете бумагу водой.Просто опустите кисть только в воду и распределите немного воды по странице. Затем, пока бумага еще влажная, вы просто добавляете краски поверх этого слоя воды.

Использовать эту технику очень весело, потому что краска ляжет везде, где есть вода. Используйте эту технику, если вы хотите получить приятные мягкие края или хотите, чтобы дополнительные цвета легко смешивались друг с другом. Избегайте этой техники, если вы используете противоположные цвета, которые при смешивании превращаются в грязь.

Вы также можете часто практиковаться, направляя кистью, где краска течет, чтобы создавать различные рисунки таким образом.Краска пойдет туда, где вода!

Это также хороший способ легко смешивать разные цвета на бумаге, потому что краска будет как бы плавать поверх воды на бумаге, и ее можно легко вращать и перемещать.

Основы акварели #2: Техника рисования по сухому

При рисовании мокрым по сухому вы не смачиваете бумагу – вы просто наносите акварельные краски, хорошо смешанные с небольшим количеством воды, прямо на сухую бумагу.

Сухая бумага может быть совершенно новым чистым листом бумаги или чем-то, на чем вы уже рисовали, но высохшему.

С помощью этого метода у вас будет намного больше контроля над тем, куда пойдет краска, и вы увидите гораздо более четкие линии и края.

Основы акварели #3: Техники наслоения и смешивания

Еще одна важная вещь, которую нужно попрактиковать, это нанесение слоев акварелью. Научиться накладывать акварельные краски — это то, что действительно может помочь придать вещам, которые вы рисуете, больше глубины и интереса. Умение накладывать слои — это то, что действительно позволяет акварели выглядеть фантастически на бумаге!

При наслоении сначала нужно начинать с самых светлых цветов.Таким образом, вы можете продолжать использовать более светлые цвета, пока не получите желаемый результат.

Важно знать, что акварель снова активируется после высыхания, если вы снова закрасите ее водой. Это действительно полезно знать, потому что, если вы не будете осторожны, вы можете легко смешать краски и получить не очень фантастические результаты.

Это хороший способ добавить тени на ваши картины. С акварелью создание бликов делается немного по-другому — вместо того, чтобы рисовать блики, как при работе с акриловыми красками, обычно лучше просто оставить эти пятна пустыми.

Вы можете много экспериментировать, когда будете практиковаться в наслоении и смешивании акварели на бумаге. Вы также можете поэкспериментировать с этим, комбинируя различные техники мокрого по мокрому и мокрого по сухому.

Основы акварели #4: Создание меток для линий и форм

После того, как вы освоите основы смешивания краски с водой и узнаете, как она будет вести себя на бумаге, а также узнаете, как накладывать и смешивать краски вместе, вы готовы попрактиковаться в рисовании линий, форм и других пометок.

Мне нравится использовать более тонкие кисти и круглые кисти для создания линий и форм. Таким образом, у вас будет намного больше контроля над краской!

Некоторые знаки, которые вы можете попрактиковать:

• Линии и полосы – прямые и изогнутые
• Точки и мазки
• Перекрестие
• Треугольники, круги, звезды, сердца, квадраты
• Практикуйтесь в написании слов и букв алфавита

Позвольте себе рисовать кистью и посмотрите, куда она вас приведет! Это может быть отличным способом попрактиковаться в управлении кистью.

Основа акварели № 5: снятие краски акварелью

Это еще один хороший прием, который нужно знать, когда вы учитесь рисовать акварелью. После того, как вы закрасили область, вы можете легко взять сухую кисть или даже бумажное полотенце, чтобы снять часть краски.

Его можно использовать, чтобы сделать некоторые области светлее, или вы даже можете повеселиться с различными рисунками, такими как горошек или полоски!

После того, как вы освоите эти основные принципы работы с акварелью и основные акварельные техники, вы будете готовы начать с еще более увлекательных техник акварельной живописи!

---

8 советов по рисованию акварелью для начинающих

Теперь, когда мы рассмотрели основы, я решил поделиться еще несколькими советами и приемами, которые, как мне кажется, очень полезно знать новичку.

№1. Две банки воды: Да, я знаю, что уже упоминал об этом. Но, на всякий случай, если вы, как и я, рисуете акварелью все неправильно в течение добрых 25 лет своей жизни, начиная с того первого набора акварелей Crayola в детстве, и не склонны думать об этих очевидных вещах… Да, я полностью упоминаю это снова. 🙂

#2. Заклейте бумагу : Это еще один важный совет, о котором я хотел бы знать! Мятые картины НЕ доставляют удовольствия. Используя ленту, чтобы держать бумагу на месте, пока вода полностью не высохнет, вы сможете получить красивые плоские страницы! {Если подумать, это, вероятно, было бы полезно для ЛЮБОГО типа художественных работ в смешанной технике, где мятые страницы являются проблемой!}

#3.Используйте правильное количество воды: Наиболее распространенные ошибки при работе с акварелью — использование слишком большого или недостаточного количества воды.

Иногда безумное количество воды — это хорошо и весело, но если вы стремитесь к точности или пытаетесь добиться определенного эффекта, это может привести к катастрофе или разочарованию.

Если вы используете слишком много воды, на поверхности бумаги будут образовываться лужи и скопления воды. Это может занять целую вечность, чтобы высохнуть, привести к тому, что краска пойдет в направлении, в котором вы, возможно, не хотите, а также может привести к тому, что ваши цвета будут намного светлее, чем вы могли бы их видеть.

С другой стороны, слишком малое количество воды может привести к тому, что ваши краски лягут неравномерно или что вы в конечном итоге будете тратить много хорошей краски каждый раз, когда смываете кисти. С практикой вы начнете хорошо чувствовать, насколько это «в самый раз».

#4. Дайте акварели высохнуть между слоями: Рекомендуется дать акварели немного высохнуть между слоями, особенно если вы сделали хороший влажный смыв и готовы добавить детали. Если сначала дать ему время высохнуть, будет легче рисовать детали с большей точностью и меньшим растеканием.

#5. Избегайте фена: Я ОБОЖАЮ свой фен при работе с акриловыми красками, однако без особого ухода он может стать катастрофой с акварелью — в основном потому, что вы обнаружите, что сила воздуха толкает воду. Это может быть использовано для создания красивых эффектов стекания краски в смешанной технике, но если вы много работали над картиной, лучше дать ей высохнуть естественным образом.

#6. Работа на ровной поверхности: Это еще одна из тех вещей, которые, вероятно, очевидны, но не всегда очевидны.Однажды я работал на столе снаружи, только чтобы заметить, что все мои краски как бы стекают и скапливаются на левой стороне стола. Оказалось, что стол не ровный! Ой! При необходимости вы всегда можете подложить под него бумаги и книги.

#7. Пройдите курс: Хотя этот учебник поможет вам начать работу, уроки или обучение у опытного друга-акварелиста изменят все, что вы знаете об акварели!

Я познакомился с замечательными друзьями-художниками на местных сайтах, таких как Meetup.ком. Вы также часто можете найти уроки акварели в библиотеках, общественных колледжах и даже местных средних школах с общественными программами для взрослых.

Предпочитаете учиться онлайн дома? У Craftsy есть несколько отличных доступных онлайн-уроков акварели — или, что еще лучше, вы должны полностью присоединиться к их дочернему сайту Craftsy. Вы можете проверить это здесь И получить бесплатную пробную версию для просмотра ВСЕХ 1300+ видео — расскажите о море творческого вдохновения!

#8. Практика, практика, практика! На самом деле есть только один хороший способ преуспеть в чем бы то ни было: практика! К счастью, акварель не очень грязная и очень портативная, а это значит, что вы можете легко практиковаться в рисовании акварелью каждый день или даже во время обеденного перерыва на работе.Практикуйте любой шанс, который у вас есть!

---

Рисование акварелью может быть ОЧЕНЬ увлекательным, и достаточно знать некоторые из этих советов и приемов, чтобы выйти на совершенно новый уровень. Если вы когда-либо боролись с акварелью, как я, я надеюсь, что этот пост вдохновит вас дать ей еще один шанс И узнать, что это может быть очень весело — как только вы освоите основы!

Я надеюсь, что этот пост о том, как рисовать акварелью, вдохновил вас на создание чего-то забавного, что вам нравится, и, конечно же, если вы хотите поделиться каким-либо из своих акварельных шедевров — ПРИСОЕДИНЯЙТЕСЬ к нашей группе сообщества Facebook — мы будем рады люблю тебя там! {Не рисуете шедевр? Не беспокойтесь, акварельные картины бедствий также приветствуются в нашей группе — мы СУПЕР дружелюбны к новичкам и, конечно же, ответим на любые ваши вопросы!}

Какие-нибудь советы по акварели для начинающих, которыми вы могли бы поделиться? Какие техники или типы акварельных рисунков вы хотели бы увидеть, чтобы мы сняли видео или написали уроки? Есть вопросы по тому, что мы уже рассмотрели?

Это только начало многих акварельных постов на нашем сайте, и я буду рад услышать ваши идеи в комментариях ниже.И конечно, как всегда, не стесняйтесь задавать любые вопросы по работе с акварелью ниже – я всегда рад помочь!

---

Любимые расходные материалы для акварели

Последнее обновление: 21 января 2022 г., 23:07

Делиться заботой!

советов по акварели для начинающих | John Lovett Artist

Советы по акварели для начинающих​

​

Обучение рисованию акварелью может сначала показаться странным и трудным, особенно если вы привыкли работать с непрозрачными материалами, такими как масло или акрил.Эти советы по акварели для начинающих рассматривают все основные акварельные техники, чтобы направить вас на правильный путь.

 

Совет 1. Сохранение белой бумаги

​

Первое и самое очевидное отличие заключается в том, что акварель прозрачна. Он полагается на нетронутую бумагу для чистых, хрустящих белых цветов. Это означает, что вы должны с самого начала решить, где будут белые области на вашей картине, и заранее спланировать, чтобы сохранить эти области.

​

​

Чистая белая бумага, контрастирующая с яркими темными тонами, придает кабинам этих траулеров эффектный вид.

 

Процесс успешной акварельной живописи заключается в том, чтобы избегать областей, которые нужно оставить белыми, и сначала наносить самые светлые мазки, постепенно продвигаясь к более темным мазкам. Старайтесь покрывать большие области довольно свободно на ранних стадиях рисования, добавляя более плотные детали ближе к концу. Вот несколько моментов, о которых следует помнить…

​

​

Совет 2. Эскизы эскизов​

Маленькие наброски-миниатюры позволяют вам перетасовывать объект и корректировать композицию перед тем, как начать рисовать.Имея план работы, намного проще избежать проблем, особенно когда речь идет об организации тонального (светло-темного) контраста. Разбейте эскизы миниатюр примерно на четыре области с разными тонами и заштрихуйте их. Это позволит вам манипулировать светлыми и темными участками так, чтобы максимальный контраст возникал в центре интереса.

​

​

Эти эскизы показывают разные варианты и содержат только четыре разных тона (черный, темно-серый, светло-серый, белый)

​

Подробнее об эскизах эскизов

 

 

Совет 3.Цветовая гармония

Из всех советов по акварели для начинающих сохранение цветовой гармонии является одним из самых важных. Есть несколько простых вещей, которые нужно помнить, чтобы поддерживать цветовую гармонию на протяжении всего рисунка.

Ограничьте свою палитру
Окунание в двадцать различных цветов, разбросанных по вашей палитре, заманчиво, но обычно приводит к несогласованной, грязной работе. Ограничьте количество цветов двумя или тремя, особенно на ранних стадиях рисования. Ваш предмет будет диктовать, какие из них выбрать.Я считаю, что для зданий, ландшафта и т. д. я начинаю с оттенков землистых цветов — сырой сиены и жженой сиены, плюс немного ультрамарина или индиго, в зависимости от того, какую атмосферу вы ищете, что дает плотную гармоничную основу для работы. Более интенсивные цвета могут быть осторожно введены позже, если это необходимо.

 

Подробнее об ограниченной палитре

​

В проекте «Речной пейзаж» используется всего пять цветов (четыре из которых синие) для создания простой и тесной цветовой гармонии

​

Рисунок ниже показывает, как ограниченная палитра может иметь большее влияние, чем полный спектр цветов.Помимо серого, белого и черного древесного угля, большую часть этой картины составляют фтало и ультрамариновый синий. Небольшой всплеск перманентной розы согревает центр внимания.

Совет 4. Иностранные цвета

​

Как часто вы смотрите на картину и видите участок цвета, который кажется неподходящим? Группа деревьев в неуместной зелени, нестройная синяя река или лиловый цветок, который словно выпрыгивает из букета.Решение этой проблемы простое, добавьте больше диссонирующего цвета к остальной части картины.
Разлитая по поверхности перманентная роза на картине выше связывает цвет с работой. Если бы это было ограничено только фокальной областью, это выглядело бы неуместно.

 

 

Совет 5. Цвет галстука

​

Несколько тонких каллиграфических линий гармоничного цвета обычно стягивают бессвязную цветовую схему.
Используйте кисть № 1 или № 2 или перо и чернила. Важно использовать только один цвет для этих линий, иначе вы рискуете внести путаницу. Если вы используете чернила, распылите воду сразу после нанесения чернил, чтобы смягчить линии и создать интересный эффект растушевки.

​

На этой картине изображен эффект распыления чернил жженой сиены, связывающих линии, продетые сквозь них, чтобы объединить работу.

​

Совет 6. Темные тона

​

Избегайте нейтральных темных тонов — картина будет более живой и характерной, если темные оттенки имеют тенденцию быть либо теплыми, либо холодными.Чтобы смешать насыщенный насыщенный темный цвет, не используйте непрозрачный желтый. Лучше всего подходят Windsor & Newton Quinacridone Gold или Rowney Indian Yellow. Большинство других желтых дают мутные темные оттенки. Помимо прозрачного желтого, вам понадобится много пигмента и очень мало воды. Хорошей идеей будет сразу переходить от одного цвета к другому, не промывая кисть между ними. Промывка только разбавляет смесь и отдаляет ее от сильного потемнения.

Для получения дополнительной информации о темных тонах см. «Черная акварель»

 

 

Совет 7.Центр интересов или координатор

​

Фокус или центр интереса — это область вашей картины, которая захватывает и удерживает внимание зрителя, прежде чем позволить ему отвлечься на другие области картины. Так же как и интересная часть предмета, центр интереса должен содержать максимальный тональный контраст и самую насыщенную область цвета.
Чтобы картина была успешной, центр интереса должен быть очевиден и правильно расположен. Избегайте размещения центра интереса в середине картины (горизонтально или вертикально), если вам не нужна статичная формальная композиция.
Сохранение центра интереса на неравном расстоянии от каждой стороны помогает правильно расположить его. Разбиение горизонтальной и вертикальной осей примерно в соотношении 1:2 также поможет разместить центр интереса

Подробнее о фокусных точках

 

 

Совет 8. Не переусердствуйте с рисованием

​

На картину, заполненную тщательно проработанными деталями от одного края до другого, может быть трудно смотреть. Если вам нравится работать с мелкими деталями, рассмотрите возможность включения некоторых областей рельефа.

​

На этой картине взгляд зрителя может блуждать между интересными текстурами и деталями фокальной области и плоскими участками рельефа, образованными водным пространством на переднем плане.

 

Совет 9. Рисунок 

​

Чтобы создавать успешные картины, важно практиковаться в рисовании.

Независимо от того, что вы рисуете, важно сначала подумать о том, как ваш объект будет размещен на странице.Небольшие наброски эскизов перед тем, как вы начнете рисовать, — хороший способ проработать композицию.
Начните рисовать, мысленно сократив объект до нескольких простых фигур. Нарисуйте их легко и аккуратно, а затем разбейте их на более мелкие и детализированные формы. Не начинайте с одного угла предмета и продвигайтесь к другому.

Ваш рисунок будет выглядеть лучше, если самая интересная часть (называемая центром интереса или фокальной точкой) не будет размещена ни по одной из осевых линий страницы.Самый сильный тональный (светлый/темный) контраст должен находиться в центре интереса.

Некоторые области чертежа менее детализированы, чем другие. Постарайтесь оставить большую часть деталей в центре интереса.
Чтобы обрести уверенность, потренируйтесь рисовать на больших листах дешевой бумаги мягким (5В или 6В) карандашом, угольным или пастельным карандашом. Встаньте, работайте на вертикальной поверхности (или на поверхности под прямым углом к ​​линии вашего зрения) и отведите руку от плеча. Работайте от крупного и смелого к тонкому и детализированному.Только окончательное завершение нужно делать небольшими плотными движениями рук.

Практика. Неважно, что вы рисуете, вы должны тренировать свой глаз, чтобы точно определять пропорции, и свою руку, чтобы точно преобразовывать эти суждения в отметки на бумаге. Здесь нет коротких путей, единственный ответ — много-много карандашной стружки.

​

Дополнительные советы по рисованию

 

 

Совет 10. Необходимые инструменты

​

Список советов по акварели для начинающих был бы неполным без описания самых необходимых инструментов и материалов.

 

Одна замечательная вещь в акварельной живописи, если вы только начинаете, — это небольшое количество оборудования, которое вам нужно.
Несколько красок, четыре-пять кистей, бумага для рисования и все! Для палитры подойдет старая белая тарелка или можно купить дешевую пластиковую. Лучший совет, который я могу дать, это купить качественную краску художника и хорошую бумагу.

Вот мой список покупок для начала.

Краска
• Синий ультрамарин (франц. Ultra.лучше, но дороже)
• Перманентный ализариновый малиновый
• Индийский желтый или хинакридоновый золотой

Кисти
1/4 дюйма, длинный плоский таклон
1/2 дюйма, длинный плоский таклон
Таклоновый лайнер #1 или 2
1/2 дюйма кисть из щетины ( с длинной щетиной)

Бумага
Бумага студенческого качества для экспериментов и лист Arches или Saunders 300 г/м² (140 фунтов) средней текстуры. вы можете добавить к этому, но не спешите покупать 20 разных красок и дюжину кистей — это не сделает вас лучшим художником, только еще больше запутает.

После того, как вы нарисуете несколько картин с помощью этого оборудования, вы можете добавить еще несколько цветов и кистей. Я использую очень мало оборудования.

В этом цветовом круге используются только рекомендованные выше цвета. Он дает довольно насыщенный диапазон цветов при условии, что вы ограничите смешивание не более чем двумя основными цветами.

Смешивание трех основных цветов дает сложные цвета (коричневые, хаки, серые и т. д.), которые мы используем большую часть времени при рисовании.

Прозрачный Quinacridone Gold предотвращает мутность цветов.

Подробнее о материалах в

Живопись на месте

​

Наконец и главное

​

Наслаждайтесь тем, что вы сделали!

Накройте свою работу циновкой, сядьте с бокалом вина или чашечкой кофе и посмотрите на все хорошие вещи, которых вы достигли. Важно чувствовать себя хорошо в своей работе. Зацикливание на ошибках или проблемах обескураживает и мешает двигаться дальше. Я еще не видел картины без хороших моментов.Концентрация на положительных аспектах вашей работы придает вам уверенности и энтузиазма и позволяет вам развивать свои успехи.

​

​

Обобщение советов по акварели для начинающих

​

• Сохраняйте белую бумагу с самого начала.

• Прежде чем приступить к работе, проработайте композицию с помощью миниатюрного наброска.

• Ограничьте свою палитру, чтобы сохранить цветовую гармонию.

• Не позволяйте посторонним цветам отвлекать внимание — свяжите их с остальной частью картины.

• Рассмотрите возможность использования связующего цвета, чтобы придать картине единство.

• Сделайте темные цвета теплыми или холодными, чтобы избежать нейтральных мертвых зон.

• Сделайте свой центр интереса или фокус доминирующим

• Не переусердствуйте — допустите некоторые участки простого заниженного рельефа.

• Практика рисования — это фундаментальный навык, на котором будет основываться вся ваша живопись.

• Будьте осмотрительны при накоплении малярных принадлежностей — на самом деле вам не нужно много!

• Наслаждайтесь своими успехами!

​

См. также:

Техника акварели

​

Автор: Джон Ловетт

​

​

​

​

​

Международный художник: Альваро Кастанье — Страсть к акварели

Частные и государственные коллекционеры по всему миру быстро приобрели работы Альваро.Каждый год его приглашают на знаковые художественные выставки как в качестве участника, так и в качестве члена жюри. Также накапливаются престижные награды, в том числе победы на важной Шанхайской биеннале Чжуцзяцзяо и еще одна в Нанкине, Китай, где акварель почитается, а стандарты удивительно высоки.

Альваро родился в прекрасном Монтевидео, Уругвай. Его ранний интерес к искусству был культивирован в основном его отцом, который в молодом возрасте отправил его в Национальную школу искусств в Монтевидео, где его обучал профессор Эстебан Гарино.Он продолжил свое формальное образование в Университете изящных искусств под руководством Мигеля Анхеля Парехи.

Со всем этим южноамериканским воодушевлением в своих генах Альваро сразу же сделал себе имя, когда переехал в Австралию, ворвавшись на сцену своими захватывающими дух картинами эпических сельских и городских пейзажей Австралии. Это была богатая и экзотическая акварель, которую раньше редко можно было увидеть, и Австралия села и обратила на это внимание.

Альваро является избранным членом AWS; СЗС США; Австралийский институт акварели; ACUA, он является почетным членом Общества акварелистов Огайо и членом-основателем самой престижной Международной ассоциации мастеров акварели IMWA, базирующейся в Шанхае, Китай.Слухи о нем быстро распространились по многочисленным местным и международным журналам, которые представили его искусство во всей красе.

После шума студентов-художников, желающих узнать больше о его методах, Альваро выпустил несколько замечательных учебных пособий по искусству и DVD-диски, и вскоре стало очевидно, что он не только превосходный художник, но и учитель, способный преобразовывать работу его ученики. Хотя Альваро никогда не упускает из виду прогресс своего искусства, его непреодолимое желание состоит в том, чтобы помочь ученикам рисовать от всего сердца, как это делает он.

Он настаивает на том, что картины, которые волнуют зрителя, выражают чистые эмоции, выходят за рамки техники — они выходят за рамки простого копирования сцены.